Joaquin Phoenix Traz Atuação Competente em “Você Nunca Esteve Aqui”

Há intérpretes que são excepcionais para os tipos insanos, perturbados ou alucinados. Joaquin Phoenix é um deles: quanto mais “tresloucado” seu personagem, parece que mais intensa é sua atuação, fazendo com que o ator porto-riquenho se dispa de qualquer vaidade e vício e embarque profundo em sua loucura. Logo, Phoenix foi a escolha perfeita para dar vida a Joe, um sofrido veterano de guerra que vive com a mãe debilitada e trabalha quase que anonimamente libertando garotas traficadas para o comércio sexual. Em uma de suas melhores atuações (e esnobado em muitas premiações), Phoenix é, definitivamente, a força motora de Você Nunca Esteve Aqui, novo filme de Lynne Ramsay.

Verdadeiro estudo sobre a mente de Joe, Você Nunca Esteve Aqui é um filme perturbador em seu minimalismo, assim como Precisamos Falar Sobre o Kevin (obra mais conhecida da cineasta). A violência aqui não é totalmente explícita, mas ela consegue alcançar o espectador de forma muito contundente, causando um desconforto que nos desequilibra. Muito desta sensação é mérito de sua impecável trilha sonora (provavelmente com alguma inspiração tarantinesca) e da primorosa fotografia, que tornam a atmosfera do longa bastante “pesada”, fazendo-nos sentir exatamente a angústia e melancolia de Joe. Aliado a um roteiro muito bem escrito, esses elementos são essenciais para que, em apenas uma hora e meia, tenhamos uma aula completa sobre desenvolvimento de um personagem. Existem até algumas comparações com Taxi Driver, de Scorsese – e, de fato, essa relação não é de tudo vã.

Entretanto, justamente por ser tão rico na construção de seu protagonista, Você Nunca Esteve Aqui é um bocado cansativo, já que é minucioso em seus detalhes. Alguns trechos também soam confusos, especialmente quando recorrem às lembranças de Joe (que são jogadas sem muito critério e, em um primeiro momento, parecem não ter conexão alguma). O filme ganha bastante quando nosso (anti)herói descobre estar envolvido em uma conspiração política capaz de colocar em risco sua própria vida – e aqui temos as melhores sequências da obra. Você Nunca Esteve Aqui vai além de um thriller psicológico: é uma observação da mente de uma personagem atormentada, à beira do caos. Favorecido por uma atuação acima da média e uma direção segura e competente, Você Nunca Esteve Aqui não é para qualquer um, é verdade; mas para os que se propuserem, vale muito a pena.

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“De Encontro Com a Vida”: Filme Alemão Narra Superação de Deficiente Visual

Se você é daqueles que pensam que o cinema europeu só é feito de obras cultas, filosóficas e cheias de reflexões existencialistas, você precisa assistir a De Encontro Com a Vida. Apesar do modesto desempenho lá fora, esta dramédia alemã é um daqueles filmes despretensiosos que fazem você sorrir e sair do cinema cheio de esperança. A trama acompanha Saliya Kahawatte, um jovem ambicioso que leva a vida como qualquer pessoa comum de sua idade. Prestes a concluir seus estudos, porém, Saliya descobre ser portador de uma grave doença ocular, que faz com que ele perca quase toda sua visão. Ainda assim, ele decide se candidatar à vaga de estágio em um luxuoso hotel em Munique e realizar seu maior sonho: virar empregado do local. Mas as coisas não são tão simples: além de ter que se adaptar à sua nova condição, ele terá que esconder sua “deficiência” para não perder a chance de mostrar seu talento.

De Encontro Com a Vida não é um filme inovador e sua fórmula é pra lá de previsível: um personagem que precisa esconder um segredo e viver uma vida “dupla”. Segue quase o mesmo molde de produções mais comerciais, como as comédias norte-americanas da década de 90. Mas isso não desqualifica o longa de Marc Rothemund: pelo contrário, é o tom leve e divertido de sua narrativa que o tornam um título intensamente agradável, com a única intenção de divertir o espectador. O elenco esbanja química, em especial a dupla Kostja Ullmann e Jacob Matschenz (este último, responsável pelas melhores sequências cômicas) e a trilha sonora é deliciosa. O entretenimento, no entanto, é puramente escapista – e aqui encontramos uma lacuna na obra. De Encontro Com a Vida teria potencial para explorar melhor as condições, as oportunidades e os preconceitos que as pessoas com deficiência visual sofrem, mesmo em países desenvolvidos. Prefere, entretanto, focar-se na trama de superação de seu protagonista, nos dando a falsa idéia de que basta você se esforçar que o sucesso virá – e sabemos que, na realidade, não é bem assim que funciona. Ainda assim, De Encontro Com a Vida surpreende positivamente, provando que os europeus também sabem se divertir…

“Baseado em Fatos Reais” é um Polanski Sem Encanto

Roman Polanski não é um cineasta qualquer. Deixemos de lado sua polêmica vida pessoal e nos concentremos em sua primorosa obra: há títulos relevantes, como Chinatown (considerado um dos melhores roteiros da história do cinema), O Pianista (filme que lhe rendeu o merecido Oscar de direção) e os pertencentes à famosa Trilogia do Apartamento (nesta ordem, Repulsa ao Sexo, O Bebê de Rosemary  e O Inquilino). Há também momentos menos inspirados, é verdade (um esquecível Que?, o fiasco Piratas e um subestimado O Último Portal  – ainda que este último seja estrelado pelo astro hollywoodiano Johnny Depp, no auge dos anos 90), mas todos, sem exceção, carregam uma dose da mise-en-scène de Polanski, assim como seu mais recente projeto, Baseado em Fatos Reais.

Após uma sequência de bons filmes (O Escritor Fantasma, Deus da Carnificina e o magnífico A Pele de Vênus), Polanski entrega algo inferior à boa parte de sua filmografia com Baseado em Fatos Reais. Com raízes fincadas no best-seller homônimo de Delphine de Vigan, a trama gira em torno de uma escritora (Emmanuelle Seigner) com bloqueio criativo após o sucesso de seu último livro. Deixada de lado pelos filhos e pelo namorado, Delphine é presa fácil para Elle (Eva Green), uma sedutora e misteriosa admiradora que ganha a vida como ghost-writer de celebridades. A partir daí, Elle passa a se tornar cada vez mais presente na vida da artista – e, claro, exercer certo domínio sobre ela.

Acolhido sem muito entusiasmo em Cannes no ano passado, Baseado em Fatos Reais chegou na época em meio às inúmeras reportagens e protestos envolvendo as acusações de assédio de menores cometido por Polanski – o que, fatalmente, reduziu a expectativa do público com relação ao longa. Mas não é isso que torna Baseado em Fatos Reais um título esquecível no inestimável catálogo do cineasta franco-polaco. Há alguns erros primordiais que enfraquecem sua película, a destacar primeiramente o roteiro tão pouco estimulante, que recicla vários elementos já manjados de um thriller convencional. Já disse e repito: não vejo problemas com clichês de gênero, desde que sejam bem utilizados – mas aqui, Polanski extrapola nas soluções fáceis para o desenrolar do argumento (por exemplo, o esgotamento de Delphine após uma sessão de autógrafos, a tela em branco do computador para simbolizar a falta de criatividade da autora, o vermelho do batom, unhas e echarpe de Elle, etc.). Tudo parece muito artificial, como que se forçando a barra para fazer crível o relacionamento conturbado entre as protagonistas (duas atrizes que se esforçam ao máximo em suas performances, mas são incapazes de entregar algo além do mediano).

Os acertos existem, é claro. E quem acompanha a filmografia do diretor pode confirmar: dos seus últimos filmes, este é, provavelmente, o que mais tem cara de Polanski (principalmente aquele do início de carreira) – seja na tensão que tenta evocar, no desenvolvimento lento e minucioso das personagens, no erotismo que surge em alguns instantes para dar aquela desequilibrada na narrativa e deixar o espectador com cara de “ué?”. Se fosse lançado lá nos anos 70 (e até 80), certamente Baseado em Fatos Reais seria mais bem recebido. Hoje, infelizmente é apenas o exercício de estilo de um cineasta que já não funciona tanto, sugerindo que ele precisa se reinventar. Enfim, Baseado em Fatos Reais é um verdadeiro Polanski, sim – só que sem o brilho de outrora.

Oscar 2018: Resumão

Domingo, 04 de março de 2018. É no Dolby Theatre, em Los Angeles (EUA) que acontece a 90ª cerimônia do Oscar, o maior prêmio da indústria do cinema mundial. Pelo segundo ano consecutivo, a premiação foi comandada pelo comediante Jimmy Kimmel, que já iniciou a noite soltando piadas com relação às gafes cometidas na edição anterior e também com outros temas polêmicos, como as acusações de assédio contra o produtor Harvey Weinstein, questões políticas envolvendo o atual presidente norte-americano, Donald Trump, e a campanha #MeToo – que viralizou em 2017 (houve ainda, mais adiante, um momento dedicado ao Time’s Up – movimento formado por mulheres que cria um fundo legal para defesa de sobreviventes de assédio).

Em um vestido rosa e um visual pra lá de ousado, Viola Davis anuncia o prêmio de ator coadjuvante, que fica com Sam Rockwell, por Três Anúncios Para um Crime. Já o casal “maravilha” Gal Gadot e Armie Hammer (porque né?) concederam a estatueta de maquiagem e cabelo a O Destino de Uma Nação, que disputava com Extraordinário e Victoria e Abdul: O Confidente da Rainha. Também tivemos, aos 93 anos, a atriz Eva Marie Saint conferindo o Oscar de melhor figurino a Trama Fantasma. A dupla Laura Dern e Greta Gerwig, por sua vez, premiam Ícaro como documentário do ano (desbancando o favorito Visages, Villages, de Agnès Varda), enquanto Mary J. Blige foi a responsável pelo primeiro número musical da noite, ao performar Mighty River, de Mudbound – Lágrimas Sobre o Mississipi, que concorria a melhor canção.

A belíssima Lupita Nyong’o e Kumail Nanjiani apresentam a categoria de direção de arte, que ficou com A Forma da Água – seu primeiro prêmio da noite. Logo em seguida, Gael Garcia Bernal divide o palco com Miguel e Natalia Lafourcade, cantando Remember Me, de Viva – A Vida é Uma Festa – que inclusive foi consagrada como melhor animação e canção. A porto-riquenha Rita Moreno, premiada como atriz em 1962 por Amor, Sublime Amor, entregou o prêmio de filme estrangeiro a Uma Mulher Fantástica, triunfando sobre The Square – A Arte da Discórdia (vencedor em Cannes de 2017). Já Mahershala Ali anunciou a favorita Allison Janney como atriz coadjuvante, por sua brilhante atuação em Eu, Tonya.

Alguns momentos especiais merecem destaque. Tivemos Daniela Vega (atriz de Uma Mulher Fantástica) como primeira trans a apresentar o Oscar, convidando Sufjan Stevens a interpretar a belíssima (e injustiçada) Mystery of Love, de Me Chame Pelo Seu Nome. Quebrando a tradição, Casey Affleck (que ganhou no ano passado como ator) foi substituído por Jennifer Lawrence e Jodie Foster, que entregaram o prêmio de atriz a Frances McDormand, em sua segunda estatueta e com um discurso incrível (lembrando que Frances concorria com Meryl Streep, em sua 21ª indicação – quebrando seu próprio recorde). Já Faye Dunaway e Warren Beatty retornam este ano para apresentar o grande prêmio da noite, que acabou indo para A Forma da Água, maior vencedor desta edição com um total de 4 estatuetas, seguido por Dunkirk (edição de som, mixagem de som e montagem).

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Abaixo, segue a lista completa com os vencedores (por ordem de anúncio):

ATOR COADJUVANTE: Sam Rockwell (Três Anúncios Para um Crime)
MAQUIAGEM E CABELO: O Destino de Uma Nação
FIGURINO: Trama Fantasma
DOCUMENTÁRIO: Ícaro
EDIÇÃO DE SOM: Dunkirk
MIXAGEM DE SOM: Dunkirk
DIREÇÃO DE ARTE: A Forma da Água
FILME ESTRANGEIRO: Uma Mulher Fantástica
ATRIZ COADJUVANTE: Allison Janney (Eu, Tonya)
CURTA METRAGEM DE ANIMAÇÃO: Dear Basketball
ANIMAÇÃO: Viva – A Vida é Uma Festa
EFEITOS VISUAIS: Blade Runner 2049
EDIÇÃO: Dunkirk
DOCUMENTÁRIO EM CURTA METRAGEM: Heaven is a Traffic Jam on The 405
CURTA METRAGEM: The Silent Child
ROTEIRO ADAPTADO: Me Chame Pelo Seu Nome
ROTEIRO ORIGINAL: Corra!
FOTOGRAFIA: Blade Runner 2049
TRILHA SONORA: A Forma da Água
CANÇÃO ORIGINAL: Remember Me (Viva – A Vida é Uma Festa)
DIRETOR: Guillermo del Toro (A Forma da Água)
ATOR: Gary Oldman (O Destino de Uma Nação)
ATRIZ: Frances McDormand (Três Anúncios Para um Crime)
FILME: A Forma da Água

Jessica Chastain é a Estrela de “A Grande Jogada”

Após um grave acidente que a impediu de participar dos Jogos Olímpicos, Molly Bloom (Jessica Chastain) decidiu mudar-se para Los Angeles e recomeçar sua vida. Ex-promessa do esqui norte-americano, não demora muito até que a jovem conheça o mundo da jogatina, tornando-se a responsável pelo gerenciamento de um clube de pôquer milionário, que envolvia celebridades mundiais e a máfia russa.

A Grande Jogada é o filme de estreia de Aaron Sorkin, respeitado roteirista hollywoodiano, vencedor do Oscar de melhor roteiro adaptado por A Rede Social, de 2010. E Sorkin traz sua marca registrada para A Grande Jogada: bem escrito, seu argumento, inspirado no livro da própria “princesa do pôquer” (como Bloom ficou conhecida), traz diálogos ligeiros e repletos de informação (um didatismo que ajuda muito para quem não tem familiaridade com os temas propostos) – e isso traz bastante agilidade à trama, mesmo que ela seja relativamente longa, o que dá espaço suficiente para que a história seja bem desenvolvida e não haja muitas pontas. Assim, Sorkin não tem dificuldade na direção da fita, entregando um trabalho que, se não é excepcional, ao menos cumpre aquilo que promete: um drama criminal que desperta a curiosidade do público, mesmo que o tema não seja tão “popular”.

Com mais uma atuação acima da média, Jessica Chastain desponta como uma das maiores atrizes de sua geração. Mesmo com uma carreira relativamente curta, Chastain coleciona personagens fortes e “empoderados”. Aqui não é diferente: sua Molly é uma protagonista única, daquelas que sabem o que quer e o que exatamente precisa fazer para alcançar este objetivo. Jessica faz um tipo cheio de personalidade, que sabe como usar o que tem à sua disposição para chegar ao topo. A Grande Jogada é absolutamente seu e é interessante perceber o turbilhão de emoções de Molly, transformando-a em uma personagem “humana”, palpável: ela pode ser durona, sim, mas sofre calada com a arrogância do pai exigente; ela pode ser sedutora, sim, sabendo como manter os homens por perto, mas sempre à certa distância.

Algumas escolhas da fita, entretanto, acabam prejudicando-a um bocado. Inicialmente, sua duração – uns 20 minutos a menos seriam ideais. A relação entre Molly e o pai, em especial já nos instantes finais, parece um tanto falsa justamente pela carga dramática que até então fora inexplorada. A forma como Molly também se posiciona em um submundo razoavelmente masculino também é questionável: toda vez em que ela está quase lá, aparece um homem para cortar suas asinhas – uma estranha “independência” difícil de ser creditada a uma mulher aparentemente tão segura. Ainda com estes pequenos deslizes, A Grande Jogada é um baita filme, com um dinamismo incrível e uma história eletrizante, daquelas que merecem ser conferidas. De quebra, traz uma esplêndida performance de uma atriz que dispensa comentários e uma estreia brilhante de um cineasta que, a julgar por este título, tem ainda muito a oferecer ao cinema.

“Artista do Desastre” é o James Franco Que a Gente Quer Ver Sempre

Confesso que desconheço as circunstâncias e condições sob as quais foi produzido Artista do Desastre, novo longa dirigido e estrelado por James Franco – mas tudo leva a crer que este tinha tudo para ser mais uma daquelas bombas em que o workaholic James vira e mexe aposta. Felizmente, Artista do Desastre está no rol dos melhores filmes de Franco, tanto atrás das câmeras quanto à frente delas, já que somos surpreendidos com sua melhor performance desde 127 Horas.

Baseado no livro The Disaster Artist: My Life Inside The Room, de Greg Sestero e Tom Bissell, Artista do Desastre mostra o processo de produção de The Room, filme de 2003 considerado um dos piores longas do cinema em todos os tempos. Na trama, acompanhamos Sestero (Dave Franco), um jovem ator com o profundo desejo de se tornar um astro. Ao conhecer o misterioso e excêntrico Tommy Wiseau (James Franco), os dois partem para Los Angeles e decidem fazer o próprio filme (após inúmeras tentativas fracassadas de embarcar em grandes projetos). Contando com a supervisão de Wiseau (cuja origem do dinheiro era totalmente desconhecida), a dupla mal imaginava que sua obra se tornaria um sucesso cult no futuro.

Assim como o Ed Wood de Tim Burton (o roteiro segue a mesmíssima premissa), Artista do Desastre é uma daquelas comédias de absurdo, em alguns momentos quase surreal, que causa estranheza logo de início. Entretanto, é interessante o quanto o argumento consegue desenvolver a história sem caracterizar de forma pejorativa sua personagem principal. A atuação de Franco agrega muito à narrativa: ele constrói seu Wiseau de forma cuidadosa, nada caricata, ora engraçado, ora triste, um gênio ou um embuste, frustrado por não ser compreendido mas impossível de se fazer compreender; enfim, o ator consegue dar vida a um protagonista cheio de nuances por quem é difícil ficar indiferente, mesmo com todas suas bizarrices. James, com louvor, foge de qualquer imitação fácil e acha o ponto certo, nem mais, nem menos – tanto pela própria interpretação quanto pela maquiagem que o deixam irreconhecível. Dave Franco, em sua primeira parceria com o irmão, tem menos tempo de cena mas não deixa a desejar, cumprindo satisfatoriamente a função de antagonista. Definitivamente, a relação problemática entre Sestero e Wiseau é muito bem delineada pelos irmãos Franco.

Apesar de algumas tramas paralelas no início da fita que acabam dispersando um bocado, Artista do Desastre retoma as rédeas a partir do segundo ato para não parar mais. Porém, mais do que uma fita a revelar os bastidores de um filme “ruim” (e que praticamente coloca o público dentro do set de filmagem), Artista do Desastre é também uma história sobre sonhos e não desistir deles, mesmo quando tudo ao seu redor não for muito favorável. Ok, isso é meio clichê, não é? Por sorte, Franco consegue, com muita competência, criar uma obra deliciosa, que diverte, emociona e também traz lá suas reflexões. Oxalá ele esteja tão inspirado nas próximas vezes para nos dar trabalhos que não sejam tão desastrosos como algumas de suas escolhas ao longo da carreira.

“Eu, Tonya”: Margot Robbie Arranca Elogios em Biografia de Esportista

A patinação no gelo é um esporte que ostenta charme, elegância, sofisticação – justamente o oposta da personalidade efusiva de Tonya Harding. Da infância pobre marcada pela relação conturbada com a mãe à ascensão no meio esportivo, Tonya tornou-se famosa não apenas por sua capacidade técnica mas também pelo escândalo que destruiu sua carreira: às vésperas dos Jogos Olímpicos de 1994 (naquela que seria sua segunda participação), Tonya foi acusada de planejar, ao lado do marido Jeff Gillooly, o ataque que tentou incapacitar uma de suas principais concorrentes, Nancy Kerrigan.

A grande dificuldade em se produzir cinebiografias é fugir do formato tradicional deste tipo de narrativa: a estrutura, em geral, já vem “pronta” e muitas vezes fica limitada aos eventos que buscam relatar. Eu, Tonya, por sua vez, é uma grata surpresa nesta temporada e suas maiores virtudes são a quebra da “quarta parede” e a atmosfera de falso documentário que permeia a trama. Não, esses elementos não são totalmente originais, sabemos disso; mas o roteiro de Steven Rogers (de Lado a LadoP.S. Eu te amo) consegue manipula-los de maneira inteligente, o que valoriza esta história que, sobretudo, discute o feminismo com uma abordagem irreverente, fora do comum.

Com uma performance deslumbrante, Margot Robbie é a estrela da fita. Esta é, provavelmente, sua melhor atuação até aqui (aos 27 anos, a loura coleciona bons títulos em sua filmografia) e fatalmente lhe renderá uma indicação ao premio de melhor atriz na Academia. A intérprete faz de Tonya uma protagonista com incrível carisma e empatia, ainda que suas ações nem sempre sejam vistas com bons olhos. O público torce por Tonya, mas sabe que a garota precisa tomar um rumo na vida – seja posicionando-se frente à mãe exigente (a sarcástica Allison Janney que, merecidamente, poderá ser indicada ao Oscar de melhor coadjuvante), como também dando um “chega pra lá” no marido agressor (um Sebastian Stan muito eficiente, outro grande desempenho no elenco).

Embalado por uma trilha que evoca as sonoridades das décadas de 80/90, Eu, Tonya chega de mansinho, mas se mostra uma das cinebiografias mais interessantes desta temporada. Ao “quebrar” a estrutura usual do gênero, o filme de Craig Gillespie apresenta uma fórmula não-convencional para narrar uma história atípica, inusitada e polêmica, cujos personagens não são lá exemplos a serem seguidos, é verdade; pelo contrário, são tipos problemáticos que estão sujeitos a todo e qualquer tipo de sentimento. O que os diferencia são as atitudes que tomam diante os acontecimentos de suas vidas. Eu, Tonya é uma obra sobre escolha e como elas nos afetarão em algum momento.