“Café Society”: Woody Allen Sendo Woody Allen

Café Society  vem sendo saudado como um dos melhores filmes de Woody Allen nos últimos tempos – provavelmente o mais elogiado desde Meia Noite em Paris, em 2011. Não que o longa (que estreou em Cannes este ano) esteja na lista de suas obras mais primorosas ou que Allen tenha retornado à sua velha forma – mas, de fato, Café Society  é, no mínimo, um filme agradável de se ver.

A história, que se passa na década de 30 (na efervescência da chamada ‘era de ouro’ do cinema, com suas luzes e cores em technicolor) acompanha o judeu nova-iorquino Bobby (Jesse Eisenberg), que sai do Bronx para tentar ganhar a vida em Hollywood trabalhando com seu tio Phil (Steve Carell), um poderoso agente dos astros de cinema de então. Não demora muito para que o inocente Bobby se apaixone por Vonnie (Kristen Stewart), sem saber que a bela jovem é amante de Phil.

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Café Society  é apenas Woody Allen sendo ele mesmo. Todos os “ingredientes” de seus filmes estão ali: um protagonista que é seu próprio ego (aqui potencializado às alturas com a atuação de Eisenberg), um drama cotidiano discutido entre diálogos existencialistas e piadas com judeus, uma trilha sonora regada a jazz, enfim… Café Society  é uma típica produção de Allen, contando inclusive com a mesma identidade visual de suas obras mais recentes – mérito da ótima fotografia do veterano Vittorio Storaro, que trabalha com filtros de luz que favorecem muito o estilo garboso da época.

O elenco estelar agrega muito à narrativa. Steve Carell demonstra carisma na pele do ricaço Phil, enquanto Eisenberg cai como uma luva ao personagem Bobby. É incrível o quanto o ator está um verdadeiro protagonista de Allen. Mais: Jesse é praticamente o próprio Allen. Seja na calça acima do umbigo, nas mãos na cintura ou no falar cômico, o intérprete parece ter assistido a todos os filmes em que Woody atua porque ele é cópia fiel do cineasta. Já Stewart empresta bastante sobriedade à sua Vonnie. É interessante analisar o quão bem Woody desenvolve essa personagem: o que temos em cena é uma mulher que ama dois homens com a mesma intensidade, porém de maneiras distintas (e é óbvio que ela vai optar por aquele que lhe é mais conveniente). Allen, no entanto, não procura trazer nenhum debate moralista a esta trama; ele não discute as escolhas desta figura feminina, apenas suas consequências.

O amor não correspondido mata mais pessoas no ano do que tuberculose.

Assim, Café Society  se destaca. Com seu tom terno e acolhedor, ele nos faz rir em inúmeros momentos, nos emocionar em outros tantos, refletir com algumas de suas frases de efeito, como um bom filme de Woody Allen deve ser. Sua conclusão, todavia, não é muito feliz como uma produção mais “comercial” exigiria. Pelo contrário: seu desfecho é triste, duro, assim como a vida em algumas ocasiões. É um lado mais racional para se encarar nossa existência. Café Society  não é a obra máxima de Allen, mas por ainda estar acima da média, atesta a genialidade de seu diretor.

Zelig

Escrito e dirigido por Woody Allen, Zelig é, sem sombra de dúvidas, um dos trabalhos mais interessantes de sua carreira – infelizmente esnobado pelo público e ofuscado por outras de suas obras mais “famosas” (porém superestimadas, a meu ver). Propositalmente estruturado como um documentário, o filme narra a história de Leonard Zelig (o próprio Woody), um homem comum com uma característica bastante peculiar: ele tem a incrível capacidade de transformar sua aparência, bem como suas maneiras e até seu intelecto, de forma a adaptar-se às pessoas no ambiente ao seu redor. Internado em um hospital em Manhattan, seu caso chama a atenção da doutora Eudora Fletcher (Mia Farrow), que acaba se apaixonando pelo paciente.

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O que faz Zelig ser um filme tão genial é a segurança com a qual Woody brinca com a narrativa. Se o próprio estilo pseudo-documentário já abre espaço para inúmeras possibilidades cômicas, Allen potencializa esta perspectiva com a ironia recorrente em sua filmografia, aproveitando muito bem cada oportunidade para fazer suas piadas funcionarem de forma intensa e cabível. O cineasta segue firmemente o padrão “documentário” tradicional, inserindo elementos como as filmagens em preto e branco e os depoimentos de pessoas que teriam conhecido o protagonista, por exemplo. Para além disso, as técnicas de manipulação de imagens são bastante convincentes para a época (o longa é do início da década de 80): Zelig é visto em fotos ao lado de personalidades, como Al Capone, Charles Chaplin, F. Scott Fitzgerald e, pasmem, Adolf Hitler.

Mas Zelig não é apenas uma comédia crua e sem propósito. Zelig é também uma fábula atemporal sobre a inútil necessidade do ser humano de aceitação. Para Leonard, se adaptar aos demais ao seu redor era se sentir “aceito”, era estar “seguro” – daí sua transformação. Ser “igual” era para ele um instinto de sobrevivência, uma maneira de estar integrado ao todo. Cá entre nós: pouca coisa mudou deste então. Ainda hoje, é possível encontrar milhões de “Zeligs” sem personalidade, sedentos de atenção, tentando ser apenas mais um na multidão – as redes sociais estão aí para comprovar. Zelig consegue criticar esse comportamento através de uma trama repleta de humor, que ironiza até mesmo o sensacionalismo da imprensa e o culto às celebridades. É Woody Allen em grande forma – mais até do que em seus supostos momentos mais inspirados.

Tudo o Que Você Sempre Quis Saber Sobre Sexo (Mas Tinha Medo de Perguntar)

O sexo ainda hoje é um tabu – mas é curioso como muitos nomes, ao longo da história, já tentaram desmitificar esse assunto. Talvez Tudo o Que Você Sempre Quis Saber Sobre Sexo (Mas Tinha Medo de Perguntar) não traga muita profundidade ao tema, até mesmo se levarmos em consideração que se trata de uma obra cômica (não que a comédia não possa ser um excelente veículo de comunicação). Entretanto, é interessante analisar a narrativa de um Woody Allen em início de carreira, trazendo às telas alguns elementos que seriam marca impressa de sua extensa, cultuada e controversa filmografia.

Tudo o Que Você Sempre Quis Saber Sobre Sexo (Mas Tinha Medo de Perguntar) é composto por sete esquetes, baseadas em seções do livro homônimo de David Reuben – e, definitivamente, é a tentativa de Allen de esclarecer supostas dúvidas do público em relação ao sexo (a julgar pelo título óbvio e pela estrutura narrativa). Cada “segmento” é iniciado com um questionamento e Allen utiliza-se de histórias distintas para responder cada um deles.

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O que mais impressiona é o fato de que estamos diante de um filme do início dos anos 70. O que isso quer dizer? Bem, naquela época esta produção pode ter funcionado até que bem – mas, é claro, talvez hoje já não tenha tamanho impacto. No entanto, vale a pena acompanhar a habilidade de Allen em fundir o nonsense dentro do cotidiano para explorar de forma quase surreal o quão ridículo é a visão que o ser humano, ainda hoje, tem acerca do sexo. Assim, algumas sequências são irrepreensíveis, como o núcleo do médico que se apaixona por uma ovelha – até mesmo encarar o bom velhinho Woody Allen caracterizado como um espermatozoide é impagável. Tudo o Que Você Sempre Quis Saber Sobre Sexo (Mas Tinha Medo de Perguntar) é Woody Allen parodiando a tudo e a todos: Shakespeare, filmes antigos de terror, cinema italiano, programas de TV – mas principalmente a imbecilidade humana, daquele jeitinho que só ele sabe fazer. Só isso já faz com que o longa tenha seus créditos (e devido destaque) na obra alleniana.

Woody Allen Questiona Ética e Moralidade em “Homem Irracional”

02Confesso que tenho certa cisma com Woody Allen. Okay, meu problema não é Allen, mas sim seus fãs: eles o endeusam demais e o tratam como se o cara fosse à prova de erros – quando sabemos bem que Woody já teve momentos ótimos e outros nem tão inspirados assim. Isso é até justificável: com mais de quarenta longas no currículo, seria impossível ao cineasta ter uma obra totalmente impecável. A verdade é que, contrariando o que seus admiradores argumentam, um filme ruim de Woody Allen é um filme ruim e pronto, como qualquer outro – e muita coisa que o diretor já fez talvez não fosse tão aclamada assim se os créditos exibissem o nome de outro artista. Felizmente, seu mais recente trabalho, Homem Irracional, apesar de apresentar lá suas deficiências, pertence à safra de suas boas produções.

Em Homem Irracional, o protagonista é Abe Lucas, um intelectual que acaba de se mudar para uma cidade universitária no interior dos EUA para lecionar filosofia em um campus local. Muito prestigiado, sua chegada gera mil comentários e especulações, tanto entre alunos quanto demais colegas de profissão – até mesmo por conta de sua fama com as mulheres. No entanto, a realidade de Abe é um pouco mais cruel: o docente é um retrato do que podemos chamar de “frustração”. Desiludido com a vida, Abe perdeu o interesse por tudo e por todos e está à beira da depressão total. Fisicamente, então, nem se fala: com uns quilos a mais, o outrora galã sedutor não passa de um quarentão que sofre de impotência. Ainda assim, ele desperta a atenção da jovem estudante Jill, que fica fascinada pelo professor.

Inicialmente, Abe recusa as investidas de Jill, alegando querer apenas a amizade entre os dois. Um dia enquanto estão em um restaurante, os dois escutam ao acaso a conversa aleatória entre uma senhora desesperada e seu grupo: em processo de divórcio, a mulher pode perder a guarda de seu filho, uma vez que o juiz responsável pelo caso é amigo de seu ex-marido. Neste momento, Abe redescobre a vontade de viver e ganha um propósito de vida: acreditando firmemente que as ações são melhores do que o medíocre ato de “pensar”, o professor decide assassinar o magistrado, convicto de que assim fará um bem à comunidade e, consequentemente, tornará o mundo um lugar melhor.

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Homem Irracional é um filme ligeiramente menos cômico – segundo o próprio artista, Homem Irracional é “sério do começo ao fim”. Não que não haja algumas piadas estrategicamente inseridas na fita; mas, de fato, Allen abandona sua comédia tradicional e embarca numa narrativa até mesmo “mórbida”, acompanhando a preparação de Abe para a execução do crime perfeito. Utilizando-se intensamente da narração dos personagens principais (Abe e Jill), o diretor reproduz os sentimentos, dúvidas e angústias desse casal enquanto as ações de Abe se desdobram. Com isso, Allen se apresenta aqui mais sombrio (e menos engraçado também, claro), abandonando seu velho humor e quase adentrando no suspense (há até quem enxergue traços hitchcockianos no argumento).

Neste palco de negativismo e insatisfação que é a trama do professor, o terreno é propício para boas atuações – e elas realmente surgem. Joaquin Phoenix, embora não seja o perfil mais adequado de um tipo “alleniano”, surpreende de forma positiva. Ele é a decadência em pessoa, tanto na aparência largada (com direito à barriguinha saliente) quanto emocionalmente (sua construção de Abe é bastante convincente). Emma Stone, por sua vez, faz jus ao título de “nova musa de Woody Allen” (posto já ocupado por Diane Keaton e Scarlett Johansson) e, apesar da ingenuidade de sua personagem, transmite paixão no olhar – no belo olhar, diga-se de passagem. Phoenix e Stone mantém ótima química e isso é importante para o drama que se desenrola. Tecnicamente, a fotografia não deixa a desejar, assim como a trilha sonora, que traz um jazz com roupagem mais moderna, mas ainda atraente.

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O que talvez possa atrapalhar a experiência de Homem Irracional é seu ritmo lento, que, por vezes gera certo enfado – a primeira parte do filme, por exemplo, é pura verborragia. Outra situação incômoda é a presença de alguns personagens pouco ou mal explorados, como o namorado pateta de Jill ou a professora alcoólatra que não larga do pé de Abe. O desfecho também é um tanto quanto “nonsense”, além de algumas situações inverossímeis que não podem ser sustentadas. Como mencionado anteriormente, Homem Irracional é um filme bom, não excepcional – mas que vale a pena ser conferido justamente por ser uma produção atípica de um diretor como Allen. Algumas de suas marcas estão ali, como as inúmeras discussões filosóficas (referências e citações pipocam na tela) e existencialistas. Homem Irracional recorre a um suspense relativamente simples para questionar a ética e moralidade do ser humano – e embora possua um tom “ameno” não deixa de ter seu devido valor na filmografia do cineasta.

Comédia do Absurdo em “Uma Juíza Sem Juízo”

01Já nas primeiras cenas de Uma Juíza Sem Juízo, somos capazes de descobrir muito a respeito de sua protagonista. Ariane Feldier é uma juíza comprometida e extremamente rígida em seus julgamentos, com grandes perspectivas de crescimento no tribunal onde atua. Alem disso, aos 40 anos de idade, ela é solteira, não tem filhos, trabalha muito, se diverte pouco, não acha prazer em quase nada, inclusive nos homens – que troca facilmente por uma dança. Não que haja uma questão de ausência de libido aí, mas talvez sua experiência traumática com a principal figura masculina em sua vida (o pai que abandonou a esposa quando Ariane era pequena – e a seguida morte da mãe, que fez com que a garota ficasse sozinha no mundo) tenha lhe trazido certa desconfiança com relação ao sexo oposto.

Na noite de ano novo, em meio a uma animada festa em seu local de trabalho, Ariane (sempre inatingível em sua postura séria) bebe uns goles a mais e não se recorda de nada do que aconteceu naquela ocasião. Alguns meses depois, ela recebe a notícia de que está grávida, mas não faz ideia de como isso pode ter acontecido – e, principalmente, de quem é o filho. A partir daí, Ariane começa uma investigação para descobrir os detalhes da história – e, para sua surpresa, o teste de DNA indica que o pai do filho que espera é um perigoso agressor.

Uma Juíza Sem Juízo é um filme despretensioso, mas que agradou ao público e crítica em geral – tanto que a comédia ganhou o Prêmio Cesar de melhor roteiro (segundo maior festival francês) e foi um sucesso de bilheteria na França. Não tem grandes ambições e seu apelo absurdo consegue arrancar boas risadas da plateia.  Porém, o tom exagerado desta comédia não a torna apelativa. Na verdade, por mais que escolha alguns tipos absurdos e estereotipados, o roteiro veloz (que não deixa o espectador bocejar na poltrona) aliado à trama envolvente e inventiva é o que mais chama a atenção neste filme onde tudo é bastante previsível (mas nem por isso você perde o interesse na trama). A comédia absurda de Uma Juíza sem Juízo, por vezes até mesmo boba, lembra muito os primeiros trabalhos de Woody Allen (obviamente sem toda aquela firula existencial do cineasta).

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Mas a comédia também pode render bons frutos, e Uma Juíza Sem Juízo aborda alguns temas contemporâneos que podem render boas discussões. O primeiro, estampado logo nas cenas iniciais, é a visão moderna da mulher na nossa sociedade – independente, workaholic e que não precisa de homem para nada. Depois, a desestruturação da família nos dias atuais é algo frequente. Ambos os protagonistas são frutos de lares problemáticos – e a ideia da formação de uma nova e perfeita “família” (segundo o conceito clássico) é o que mais assusta Ariane. Finalmente, há também uma questão ética aqui: vale a pena assumir um segredo vergonhoso para salvar outra pessoa? Como proceder diante desta questão, tomando ciência da situação vexatória à qual estaremos fatalmente expostos?

Outro ponto que deve ser elogiado é a ótima interação entre os protagonistas. Sandrine Kiberlian e Albert Dupontel (este último que assina o roteiro e a direção do longa) estão ótimos em seus respectivos papéis e mesmo individuais tem atuações excelentes. Sandrine consegue lidar bem com as alterações de humor de sua personagem – o que lhe rendeu o Cesar de melhor atriz – , enquanto Albert vive um tipo alucinado que é engraçadíssimo. Da parte técnica, vale ainda destacar a simpática (e divertida) trilha sonora de Christophe Julien (que acentua todo o tom escrachado da comédia) e a fotografia e edição do filme.

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Em alguns momentos, é bom dar uma pausa em filmes “sérios” e arriscar produções menos badaladas e que exijam um pouco menos de nós como espectadores. Isto não implica em assistir a filmes ruins, mas sim trabalhos menos pretensiosos que podem nos render bons momentos de distração e entretenimento. Uma Juíza sem Juízo não é uma verdadeira pérola cinematográfica, mas funciona bem como comédia, sem forçar a barra. Uma opção divertida para quem gosta de dar umas escapulidas uma vez ou outra das comédias hollywoodianas recheadas de estereótipos, apelações e preconceitos – e ainda assim vazias em sua essência.

“Blue Jasmine”: Um Filme Com a Cara de Woody Allen!

Ofuscado pela estreia meteórica do segundo filme da franquia Jogos Vorazes (fato que é totalmente compreensível, cá entre nós…), Blue Jasmine, o novo longa do cultuado Woody Allen, chega aos cinemas brasileiros. Após uma temporada pela Europa (filmando em locais como Paris, Roma, Barcelona e outras cidades do velho continente), o cineasta retorna ao solo norte-americano – mas não a Nova York que tanto ama e que foi consagrada em sua melhor fase.

O cenário agora é São Francisco e é para lá que a protagonista da história, a bela Jasmine, é obrigada a se mudar após perder toda a sua fortuna (tudo por, em um momento de raiva, denunciar o marido por fraudes no setor de investimentos e ver todos seus bens confiscados pelo governo, afundando-se em dívidas intermináveis). Anteriormente acostumada com uma vida recheada de luxos e riquezas, agora Jasmine é forçada a procurar abrigo na modesta casa de sua irmã Ginger – irmã esta que sempre foi desprezada por Jasmine justamente por ser pouco favorecida financeiramente (além de seu duvidoso gosto para homens).

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Blue Jasmine é uma comédia de situações – e, assim sendo, a maior parte dos bons momentos da trama se desenvolvem justamente nos pequenos casos que acontecem a Jasmine enquanto tenta se adaptar à sua nova realidade. Se antes Jasmine era a esposa de um investidor milionário que a mimava com as maiores regalias, agora Jasmine se vê trabalhando como recepcionista em um consultório dentário e sendo assediada pelo patrão. Se antes Jasmine servia jantares e festas a centenas de pessoas, agora é obrigada a aturar os sobrinhos berrando por toda a casa, enquanto assiste a irmã se relacionando com homens cujo tipo ela detesta.

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Estruturando o filme com vários flashbacks (que ajudam a contar toda trajetória de Jasmine até sua decadência financeira – e por que não dizer moral?), Woody constrói uma narrativa não muito linear, que se equilibra com momentos muito bons e outros medianos. Como na maior parte dos filmes do diretor, temos uma trilha sonora deliciosa de se ouvir – Blue Moon ao piano fica irresistível. Quanto ao elenco, não se tem muito a dizer. Alec Baldwin, ligado no modo automático, é o marido picareta de Jasmine. Sally Hawkins, como a irmã medíocre de Jasmine, é tão cativante que chegamos a torcer para que ela realmente encontre um cara legal, como sua irmã sugere (e isso nos decepciona em determinada parte da história). Mas o destaque é, inegavelmente, de Cate Blanchet. Positiva ou negativamente.

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Filmada de forma exaustiva por Allen, Cate é a típica musa do cineasta. Jasmine é uma personagem de ambiguidade sem par: ao longo da história, achamos que ela é vítima e também a culpada dos acontecimentos; achamos a protagonista inteligente e também burra; consciente, mas por vezes confusa; mas em todos os momentos, Jasmine é neurótica (como uma verdadeira protagonista de Woody Allen). Isso exigiu de Cate uma atuação cheia de nuances – suas oscilações de estado emocional se refletem na voz, nos gestos, nas expressões de seu rosto e mesmo na postura da atriz. No entanto, a interpretação um tanto quanto “narcisista” de Cate (é visível que ela pretende roubar a cena, não dando espaço para mais ninguém) sufocam a sua personagem – ou seria o excesso de ostentação de sua imagem por parte de Allen? Blue Jasmine é algo novo na carreira do diretor: é aqui que Allen mais se delicia com sua protagonista. É Cate que ocupa todos os espaços do filme.

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Apesar de não ser o seu melhor filme em anos (e nem dar sinal de que Allen voltará a fazer algo grandioso como antigamente), Woody entrega uma obra que ainda faz uma alusão ao relacionamento da elite e o proletariado. Jasmine, excêntrica e mesquinha, é a cara da classe alta que tanto enxergamos no próprio Allen – afinal, note que mesmo sem aparecer na frente das câmeras, é possível enxergar traços de Allen em sua Jasmine. Ao longo de sua carreira, Allen filmou tramas “parecidas” e “pouco inovadoras” (sob certo aspecto) – perceba: sempre os mesmos tipos de personagens, as mesmas características, as mesmas ambições, as mesmas narrativas. Dessa forma, Blue Jasmine se destaca simplesmente por ser um filme de Woody Allen com a cara de Woody Allen.

Grandes Diretores e Seus Maiores Fiascos

Está certo que todo cinéfilo tem aquele seu diretor preferido. Todo grande cineasta tem um jeito peculiar de filmar (e que facilmente já se torna uma marca em suas produções) e, consequentemente, todo admirador da sétima arte acaba se identificando com o estilo de um ou outro artista.

Mas, por mais que se queira admitir, todo grande diretor já errou a mão uma vez na vida. Na realidade, são poucos os cineastas que conseguem ter uma obra uniforme – todos acabam, em algum momento de sua carreira, fazendo uma produção que serve de vergonha alheia para toda a comunidade cinéfila. Por isso, decidi listar abaixo dez grandes nomes hollywoodianos que já enfiaram o pé na jaca e realizaram trabalhos de caráter, digamos, duvidoso. Não se preocupe se o seu diretor favorito estiver na lista – afinal, nem só de glórias vive um grande artista.

1. Roman Polanski – O Último Portal (1999)
Sempre polêmico, Polanski também sempre produziu filmes igualmente polêmicos, atuando nos mais variados gêneros. No entanto, O Último Portal, de 1999, é um daqueles filmes que tinha tudo para dar certo mas… não deu. O longa gira em torno de um especialista em livros raros que embarca numa viagem para a Europa para confirmar a autenticidade de um livro que, ao que tudo indica, teria sido escrito pelo próprio demônio. No entanto, a história se perde no decorrer da trama e, principalmente, deixa a desejar no desfecho maluco, tornando um dos roteiros mais desperdiçados de Polanski.

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2. Alfred Hitchcock – Valsas de Viena (1935)
Até mesmo o mestre do suspense já pisou na bola… Se por um lado Hitchcock dirigiu clássicos do cinema mundial como PsicoseUm Corpo Que CaiDique M Para Matar entre muitos outros, o cineasta também tem um ou outro filme que não honram o nome do diretor. Entre eles, um de seus trabalhos menos aclamados ainda é Valsas de Viena, de 1935, cuja história gira em torno de um rapaz forçado a abandonar a carreira na música para trabalhar em uma confeitaria.

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3. Steven Spielberg – Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal (2008)
Rei do gênero pipoca nos cinemas, Steven Spielberg é o mestre por trás de produções como E.T. – O ExtraterrestreTubarãoA Lista de Schindler e mais uma porrada de filmes que marcaram a infância de muito cinéfilo aqui. Também é o homem que dirigiu a saga Indiana Jones e, por esta razão, foi frustrante para os fãs do diretor vê-lo retomar uma franquia quase vinte cinco anos após o último episódio e fazer uma continuação tão fraca como Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal, cujo maior mérito foi apenas reunir parte do elenco original. Fora isso, o restante se divide entre um roteiro muito ruim e piadas tão estúpidas que beiram à canastrice.

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4. Tim Burton – Planeta dos Macacos (2001)
Com seu estilo tão peculiar, o excêntrico Tim Burton conquistou fãs ao redor do mundo com suas produções macabras e fantasiosas. Ao longo da carreira, Burton fez filmes ótimos (Peixe Grande e Suas HistóriasEd WoodEdward Mãos de Tesoura), bons (A Lenda do Cavaleiro Sem Cabeça, BatmanA Fantástica Fábrica de Chocolate) e ruins (Marte Ataca!Alice no País das MaravilhasSombras da Noite). No entanto, é quase unanimidade que a versão burtoniana para Planeta dos Macacos, de 2001, foi a pior produção do diretor em anos – e é considerada a maior “mancha” no currículo do cineasta.

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5. Martin Scorsese – New York, New York (1977)
Dizem que Scorsese é tão cinéfilo que houve uma época em que ele tinha assistido a todos os filmes já produzidos no cinema. Se é verdade ou não, o fato é que o diretor de Taxi DriverTouro IndomávelOs Bons Companheiros entre tantos outros clássicos cinematográficos, já dirigiu filmes muito aquém de sua real capacidade. Entre eles, o fiasco maior (devido à proporção na época de lançamento) foi o musical New York, New York, concebido pelo cineasta como uma homenagem à sua cidade natal. Alem de ter sido detonado pela crítica, foi uma das piores bilheterias da carreira de Scorsese.

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6. Gus Van Sant – Psicose (1998)
Dirigindo um estilo que mescla cultura de massa e cinema independente, Gus tem filmes que, na maior parte das vezes, a crítica ama e o público esnoba. Com sua câmera única, certamente a pior produção de Gus, ao longo de mais de vinte anos de carreira, é seu remake de Psicose, obra-prima de Hitchcock. Aliás, não se trata apenas de um longa ruim – mas também um dos piores remakes de todos os tempos.

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7. Woody Allen – Você Vai Encontrar o Homem dos Seus Sonhos (2010)
Todos concordam quando os críticos dizem que a década de 2000 foi a mais fraca da carreira de Woody Allen – que há trinta anos, lança um filme por ano. Desde então, Woody teve alguns sucessos de crítica e público como o elogiado Meia Noite em ParisVicky Cristina BarcelonaPonto Final – Match Point e também alguns fiascos como Scoop – O Grande FuroIgual a Tudo na Vida e, principalmente, Você Vai Conhecer o Homem dos Seus Sonhos, de 2010, que apesar do elenco estelar (Antonio Banderas, Naomi Watts, Anthony Hopkins, entre outros) não convence e é, talvez, um dos piores filmes da carreira do cineasta.

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8. Clint Eastwood – J. Edgar (2011)
O carrancudo Clint Eastwood é uma lenda vida do cinema norte-americano. Tanto na frente das câmeras quanto na direção, Clint é um daqueles nomes que chamam público ao cinema. No entanto, o astro de Os ImperdoáveisMenina de OuroAs Pontes de Madison já dirigiu filmes bem menos badalados, como J. Edgar, de 2011. De fato, a história do homem à frente do FBI durante seus primeiros anos tem uma das piores classificações da carreira do diretor.

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9. Francis Ford Coppola – Jack (1996)
É difícil acreditar que o diretor da trilogia O Poderoso Chefão possa, em algum momento de sua vasta carreira, ter criado um filme, digamos, ruim. Mas foi isso o que aconteceu com o mestre Coppola quando, em 1996, o cineasta decidiu dirigir Robin Williams em Jack, que conta a história de um garoto que envelhece muito rápido devido uma doença rara. Apesar de ser uma comédia que muita gente admira, o fato é que, se comparado a outras obras de Coppola, o filme é um mero desperdício de talento.

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10. Ridley Scott – Prometheus (2012)
Para quem dirigiu Alien, O Oitavo PassageiroGladiadorThelma & Louise, Ridley Scott escorregou feio quando decidiu, em 2012, dirigir Prometheus. Piadinha pronta, mas realmente o longa prometeu e não cumpriu, se tornando um dos maiores fiascos do ano e um daqueles filmes que facilmente poderiam ser apagados da lista do diretor que ninguém daria por falta.

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Para Roma Com Amor

Um dos diretores mais cultuados do cinema na atualidade, Woody Allen sabe como filmar. Ao longo de uma sólida carreira construída com excelentes produções, Woody criou uma legião de fãs que o idolatram (seja por seus filmes, seja por seu ateísmo, seja por sua excentricidade) e caem de amores por qualquer coisa que ele faça (tem até ex-colírio Capricho com tatuagem do cara, acredita?). Agora, com quase 80 anos, o diretor (que também assina o roteiro de sua vasta obra, em grande parte ambientada na cidade natal do autor, Nova York) vem apostando naquilo que muitos críticos chamam de sua “fase européia”, resolvendo se aventurar e filmar pelo velho continente, homenageando os estilos de cada cidade em que passa – óbvio, à sua velha e boa maneira.

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Para Roma Com Amor é o último trabalho do diretor, estreado em junho de 2012, e traduz bem essa nova fase do autor. Traduz bem também o gênero comédia que o consagrou, dividindo o filme em 4 esquetes, com personagens distintos, mas todos unidos pelo espírito das ruas da cidade de Roma – diferente do que ocorre em seu longa anterior, o premiado Meia Noite em Paris (onde uma única narrativa é abordada), quando Woody foi indicado ao Oscar de melhor diretor e faturou o prêmio de melhor roteiro original (orgulho!). Desembarcando na cidade italiana, o diretor aposta em um elenco afiado que faz um filme bom e bonito – mas sem muito entusiasmo.

Cena do premiado "Meia Noite em Paris".

Cena do premiado “Meia Noite em Paris”.

Não, não há muito entusiasmo e nenhum adjetivo se encaixa melhor aqui do que “bonito”. Okay, “gracioso” ou “bem feito” também são expressões que poderiam ser utilizadas. Todos os críticos são unânimes em dizer que Para Roma Com Amor é um filme mediano dentro da filmografia do cineasta, mas também o mais fraco desta sua nova fase. Tem aquela dose de humor típico de Woody Allen, mas talvez o fato de abordar Roma sob diferentes pontos de vistas tenha criado personagens pouco palpáveis e muito menos apaixonantes.

Obviamente, algumas marcas registradas de Woody estão presentes – inclusive a estética nonsense. A abordagem de relações amorosas e a crítica à sociedade dos espetáculos (vide Celebridades) também estão lá, mas as  histórias não se cruzam em nenhum momento e a sensação que se tem é que estamos diante de uma grande colcha de retalhos. Tudo muito bem costurado? Sim, mas nada muito elegante, certo? As quatro esquetes seguem as seguintes idéias:

  • Na primeira delas, um casal americano (vivido impagavelmente pelo próprio Woody e Judy Davis) viaja à Roma para conhecer a família do noivo de sua filha. Lá, o personagem de Woody (um excêntrico produtor de óperas) descobre que o pai de seu genro tem um grande talento para o gênero – mas todas suas tentativas de torna-lo um astro são frustrantes, uma vez que o cantor só consegue “atuar” no chuveiro – o que leva o filme a um final absurdo.4
  • Em uma segunda esquete, somos apresentados a Leopoldo (vivido pelo sempre talentoso Roberto Benigni), um homem comum que é casualmente confundindo com uma estrela de cinema e se torna celebridade da noite para o dia. É aqui que Woody usa seu talento para criticar a sociedade midiática atual, denunciando a indústria da fama e como ela utiliza as pessoas e as descarta posteriormente.3
  • No terceiro quadro, conhecemos um arquiteto californiano (interpretado por Alec Baldwin) que visita a Itália com um grupo de amigos anos após ter morado no país. Lá, ele vive sentimentos memorialistas e torna-se uma espécie de conselheiro amoroso para o jovem Jack (Jesse Eisenberg), um estudante local que fica dividido entre o amor por sua namorada e a paixão pela amiga sensualíssima de seu par.2
  • Finalmente, a última esquete (e para mim a melhor de todas) retrata o drama de dois jovens interioranos recém-casados que mudam para a cidade para começar uma nova vida. O casal, que aguarda a visita da família rica do noivo, é separado e enquanto o esposo tenta passar uma boa imagem à família, a noiva se perde pelas ruas de Roma e conhece um ator local cheio de segundas intenções.6

As situações cômicas abrem espaço a diálogos afiados e repletos daquele humor que só Woody Allen sabe fazer. Não que seja um longa que vá te fazer rolar de rir (afinal, esta nunca foi a finalidade das comédias do cineasta), mas há boas sacadas que valem a pena. Frases como “para você, a aposentadoria se equipara à morte” causam aquele efeito cômico e refletem diretamente todo o ridículo humano. Ou seja, não espere uma comédia rasgada, escrachada, mas sim um filme bonito que vai ser um bom entretenimento, fazendo alusão ao comportamento humano e à toda complexidade deste comportamento.

5Com uma trilha sonora divertida, o melhor de Para Roma Com Amor é o elenco. Woody Allen (que não atuava desde 2006) volta às telas como um burguês patético e ranzinza, que causa as maiores risadas da platéia. Arriscaria dizer que é minha atuação preferida de Allen. É dele a brilhante frase “Você casou com um cara brilhante! Meu QI é 150, 160…” – cuja resposta de sua esposa é mais hilária ainda: “Você está pensando em euros. Em dólares, é muito menos…“. Ellen Page também satisfaz bem como a atriz pseudo-intelectual que emana sensualidade e balança o coração do “fofo” Jesse Eisenberg (fofo com “aspas” porque é essa expressão mesmo…). Roberto Benigni também se destaca como o pai de família que vê sua vida se tornar um capítulo do BBB. Mas o destaque, de longe, é Penélope Cruz, atuando como uma prostituta que tenta se passar por boa moça – mas acaba falhando miseravelmente em sua missão.

1No final, Para Roma Com Amor é como fazer uma grande viagem para vários lugares: não dá tempo de conhecer tudo, apenas superficialmente – diferente do que aconteceu em Meia Noite em Paris. É uma comédia de costumes, funciona como entretenimento mas deixa a desejar quando a comparamos com outros clássicos do cineasta. É um filme gostoso de assistir, mas não traz nenhuma inovação dentro da obra de Woody, que está um pouco engessado nesses últimos anos. Ao menos prova que Woody ainda tem talento para agradar seus velhos fãs – que são os que mais agradecem.

As Parcerias Mais Famosas do Cinema

Dizem que em time que está ganhando não se mexe. Pois em Hollywood isso acontece com frequência – pelo menos a julgar pela quantidade de parcerias rentáveis que acompanhamos nas telonas. Obviamente, todo diretor tem um carinho especial por algum ator ou atriz e as “dobradinhas” acabam sendo inevitáveis – e tornam-se mais frequentes quando são frutíferas. Por esta razão, selecionei aqui as 10 parcerias mais famosas que já passaram nos cinemas. Veja quem são os queridinhos de alguns diretores e quais nomes são obrigatórios na folha de pagamento dessa galera…

1. Woody Allen & Diane Keaton
Se você acha que a única musa de Woody Allen é a loura e sensual Scarlett Johansson (várias vezes considerada a mulher mais sexy do mundo), está enganado. Muito antes de dirigir a bela atriz, Woody tinha como parceira de filmagem sua ex-mulher Diane Keaton, que trabalhou com o diretor em filmes como ManhattanNoivo Neurótico, Noiva NervosaA Era do Rádio, entre outros.

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2. Martin Scorsese & Leonardo DiCaprio
Ao que tudo indica, DiCaprio caiu não apenas nas graças do público, mas também do excêntrico Scorsese, que dirigiu o galã pela primeira vez no renomado Gangues de Nova York. Depois deste, vieram O Aviador, Os Infiltrados (que deu o Oscar de melhor diretor a Scorsese), Ilha do Medo e, com lançamento previsto para 2014, O Lobo de Wall Street.

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3. Quentin Tarantino & Samuel L. Jackson
Nosso bom e velho Tarantino tem o dom nato de extrair o melhor da atuação de seu elenco. Samuel L. Jackson foi um dos premiados que tiveram a oportunidade de ser dirigido pelo badalado diretor. Suas parcerias podem ser conferidas em Pulp FictionJackie BrownKill Bill: Volume 2Bastardos Inglórios (narrando) e, recentemente, em Django Livre.

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4. Ridley Scott & Russell Crowe
Famoso por suas ficções científicas que o consagraram, Ridley dirigiu o taciturno Crowe em alguns filmes famosos do diretor, como GladiadorRobin Hood. Além desses, os dois também trabalharam juntos em Rede de MentirasO GângsterUm Bom Ano.

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5. Alfred Hitchcock & James Stewart
O mestre do suspense sempre teve uma queda por protagonistas louras – mas também chegou a ter um “queridinho” no time dos protagonistas masculinos e ele foi James Stewart, que emprestou seus dotes de atuação em clássicos do diretor, como Janela Indiscreta, Festim Diabólico, O Homem Que Sabia DemaisUm Corpo Que Cai. Vale a pena também citar a parceria de Hitchcock com Grace Kelly, que trabalhou com Hitchcock em filmes como Ladrão de Casaca, o já citado Janela IndiscretaDisque M Para Matar.

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6. Martin Scorsese & Robert De Niro
Se os mais jovens associam Scorsese a DiCaprio, vale lembrar a ótima parceria do diretor com Robert De Niro. Ao longo de suas respectivas carreiras, foram oito produções da dupla, incluindo Taxi Driver, Os Bons CompanheirosNew York, New York e, obviamenteTouro Indomável – considerado por muitos como um dos melhores filmes da história. Diz a lenda ainda que foi De Niro que ajudou Scorsese a largar a cocaína, quando teria exigido que o diretor abandonasse o vício para que trabalhasse em um de seus longas.

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7. John Ford & John Wayne
Provavelmente, a parceria entre John Ford e John Wayne é a maior na história do cinema. Caracterizada pelos clássicos de faroeste e dramas de guerra, a união rendeu filmes indispensáveis para qualquer cinéfilo inveterado, como Rio GrandeA Conquista do OesteNo Tempo das DiligênciasAsas de Águia.

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8. Pedro Almodóvar & Penélope Cruz
Assumidamente homossexual, Pedro sempre deu um foco especial às “heroínas” de suas histórias. Sua primeira musa foi a atriz Carmem Maura (que trabalhou com o diretor em seu primeiro longa), artista que dirigiu em vários projetos na década de 1980. Entretanto, os mais jovens conhecem Almodóvar por sua constante escolha por Penélope Cruz, com quem trabalhou em Carne Trêmula, Tudo Sobre Minha MãeVolverAbraços Partidos – e um quinto filme já está em andamento. Vale também ressaltar a parceria de Almodóvar com Antonio Banderas, responsável por popularizar o ator em Hollywood.

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9. David Fincher & Brad Pitt
Particularmente, não sou fã nem de um nem do outro, mas temos que admitir que a parceria entre Fincher e Pitt rendeu três filmes cultuadíssimos nos meios cinematográficos – os thrillers SevenClube da Luta e o drama O Curioso Caso de Benjamin Button (este último que faturou 13 indicações ao Oscar).

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10. Tim Burton & Johnny Depp
Burton sempre teve um time de artistas preferidos que se tornaram amigos do diretor. Entre eles, destacam-se o compositor Danny Elfman (que fez a trilha de praticamente todas as obras de Burton), Christopher Lee ou Helena Bonham-Carter, atual companheira do diretor. Mas certamente nenhuma dessas parcerias pode ser comparada ao universo que foi criado entre Burton e Johnny Depp. Juntos, a dupla trabalhou em oito produções (Edward Mãos de TesouraEd WoodA Lenda do Cavaleiro Sem CabeçaA Noiva CadáverA Fantástica Fábrica de ChocolateSweeney Todd – O Barbeiro Demoníaco da Rua FleetAlice no País das MaravilhasSombras da Noite). Hoje, é uma das parcerias mais rentáveis dos últimos anos e uma das mais conhecidas – afinal, assistir filme do Burton é ter a certeza de encontrar Johnny Depp caracterizado de forma tresloucada.

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Estréias do Semestre: O Que Não Postamos Por Aqui…

Para os cinéfilos de plantão, o primeiro semestre de 2012 foi bem generoso. Além das várias estréias que postamos aqui ao longo desses últimos meses, muitos outros lançamentos também movimentaram a indústria cinematográfica e os fãs afoitos por novas produções. E ao que tudo indica, esse segundo semestre não vai ser muito diferente. Alguns longas estão chegando e prometem faturar alto nas bilheterias.

Quem curte um cinema no final de semana, teve que sair de casa com muita paciência…

Entre eles, temos o último episódio da aclamada trilogia de Christopher Nolan, Batman – O Cavaleiro das Trevas Ressurge, que estréia essa semana nos cinemas nacionais (e que já deu o que falar nos EUA). Em agosto, ao que tudo indica, temos também Rock of Ages – O Filme e Abraham Lincoln – Caçador de Vampiros, aparentemente os mais aguardados pelos fãs. Já nos últimos meses do ano, temos Frankenweenie, a animação de Tim Burton para seu curta homônimo lançado na década de 1980 (e que tem a missão de redimir o diretor por seu deslize em Sombras da Noite), o desfecho da saga “Crepúsculo” com Amanhecer – Parte 2 e, para os nerds que nos lêem, O Hobbit (que já tem várias imagens por aí).

Bom, enquanto estes filmes não chegam, vamos fazer um apanhado geral sobre as produções que estrearam nestes últimos meses e não comentamos por aqui. Se correr, ainda dá tempo de garantir o ingresso de algumas delas…


1. O Espetacular Homem-Aranha
Pois é, o filme dirigido por Marc Webb até que foi razoavelmente bem nas bilheterias mundiais, mas… dividiu os fãs. Não que seja ruim, mas certamente está bem abaixo do que os fãs esperavam. A química entre o casal Andrew Garfield e Emma Stone até que funcionou, mas faltou mais ação e um vilão mais digno do super-herói. Além disso, se Peter Parker era mais jovem do que o que já conhecíamos, tudo bem… O filme podia ser sobre um adolescente – mas não precisava ser um filme de adolescente. O longa até que rende uns bons minutos de entretenimento, mas como obra cinematográfica está bem razoável.

“O Espetacular Homem-Aranha”: espetacular só no nome mesmo…


2. A Invenção de Hugo Cabret
O último trabalho de Martin Scorcese foi indicado a 11 estatuetas do Oscar e faturou 5 delas (praticamente técnicos). De fato, o longa (rodado em 3D) é uma verdadeira aula de som e imagem e uma belíssima homenagem do diretor à sétima arte. Muito elogiado pela crítica, A Invenção de Hugo Cabret, no entanto, dividiu a opinião do público que, com toda razão, achou meio confusa a história do órfão que vive em uma estação de trem em Paris. O filme aborda os primeiros anos do cinema e cita nomes importante para esta arte, como Lumière e Mélièr.

“A Invenção de Hugo Cabret”: homenagem de Scorcese ao cinema.


3. Prometheus
Ficção científica do mestre Ridley Scott, Prometheus marca a volta do diretor ao universo “Alien”, que o consagrou. Na trama, um grupo de exploradores vai ao espaço futurista com a missão de desvendar a origem da humanidade. O roteiro, com alguns atalhos, não é nenhuma obra-prima, mas algumas cenas por si compensam o filme – como a sequencia do parto, genialmente arquitetada. No final, com sua impecável técnica, Prometheus surpreende, mas como obra cinematográfica deixa a desejar.

“Prometheus”: não vou fazer a piada clássica com o nome do filme, ok?


4. American Pie – O Reencontro
O quarto filme da série (ao menos com o elenco original, excluindo as diversas versões lançadas diretamente para DVD) traz o grupo de amigos liderados por Jim se reencontrando após 10 anos do colégio. O longa segue a linha dos primeiros filmes da franquia (que trouxe à tona o termo MILF – Mon I’d like to fuck), entretanto, algo se perdeu ao longo dos anos (ou seria os personagens que cresceram e perderam a graça?). Você até vai rir em alguns momentos, mas nada memorável como a antológica cena do personagem Jim “comendo a torta”. A sequência mais “divertida”, dessa forma, aparece já nos créditos finais com o pai do protagonista namorando no cinema…

“American Pie: O Reencontro”: personagens evoluíram; história não.


5. Anjos da Lei
Mais uma comédia nos moldes norte-americanos para fazer rir. Ou não. Anjos da Lei foi a adaptação cinematográfia da série que tornou Johnny Depp um astro teen nos seus primeiros anos de carreira. Nada muito excepcional: no longa, dois jovens amigos policiais são infiltrados em um colégio entre os adolescentes para tentar desvendar uma ação criminosa. Entretanto, os dois tem suas identidades trocadas – o bonitão tem que bancar de nerd e o gordinho de atleta – e a maior parte das poucas cenas engraçadas saem dessa inversão.

“Anjos da Lei”: participação de Johnny Depp pra aumentar audiência.


6. Para Roma, Com Amor
O que você pode esperar de Woody Allen, especialmente agora em sua fase “fora de casa”, filmando pela Europa? No mínimo, uma obra agradável. E é justamente essa a definição da crítica para Para Roma, Com Amor. Diferente do que acontece em seu último filme, o elogiado Meia Noite em Paris, neste longa Woody não segue uma única história – com começo, meio e fim – , mas apresenta 4 tramas distintas e isoladas, mas não muito coerentes. É como viajar rapidamente para vários locais apenas pra dizer “eu já estive lá” e não para conhecer profundamente o lugar e criar boas recordações – como na noite parisiense encantadora de Meia Noite em Paris.

“Para Roma, Com Amor”: todo nosso amor ao Woody Allen, porque né…?


7. Tão Forte Tão Perto
Indicado ao Oscar de melhor filme, o último longa de Stephen Daldry (de As Horas e O Leitor) conta a história de um garoto que perde o pai no atentado terrorista de 11 de setembro e tenta descobrir a última mensagem deixada por ele através de uma chave. O filme abusa nas emoções em excesso, especialmente nas belas atuações de um elenco inspirado (Max Von Sydon, Sandra Bullock, Viola Davis), mas peca ao manter o clima melancólico durante suas duas horas de duração, o que cansa qualquer espectador.

“Tão Forte Tão Perto”: melancolia excessiva pra te derrubar.


8. Deus da Carnificina
A volta de Roman Polanski, nesse período em que ele vem atravessando problemas com a justiça, culminou em um filme que a crítica recebeu de braços abertos. Longe de ter o mesmo apreço de suas obras-primas, como Chinatown, O Bebê de Rosemary ou O Pianista (pelo qual ganhou o Oscar de melhor diretor), Deus da Carnificina narra a história de dois casais (um casal que demonstra mais poder, do tipo onde esposo não tem tempo pra esposa e vice-versa; o segundo, um casal mais humilde e representando claramente a velha esquerda liberal) que se reúnem para conversar sobre a briga entre seus filhos. No entanto, conforme os minutos passam, os ânimos vão se exaltando e um novo campo de batalha é levantado.

“Deus da Carnificina”: a vida imita a arte, sr. Polanski?


9. MIB – Homens de Preto 3
Dizem as más línguas que MIB – Homens de Preto volta no tempo para tentar corrigir os erros do passado. De fato, o filme parece ter sido mais bem recebido pela crítica do que seus antecessores que, segundo os cinéfilos, eram apenas boas desculpas para fazer efeitos visuais fantásticos. Não que não haja efeitos no terceiro longa da franquia, mas o roteiro mais trabalhado ajudou a redimir os personagens com a crítica e o público. Bom, ao menos a bilheteria até agora tem nos levado a acreditar isso…

“MIB – Homens de Preto 3”: os anos passam, mas Will Smitt não muda…


10. Os Vingadores
E pra fechar a lista, seria impossível não mencionar aqui o sucesso estrondoso de Os Vingadores. Fora todos os elogios que o filme recebeu do público, a crítica também se rendeu e caiu de amores pelo longa, considerado por muitos como “a melhor adaptações de histórias de heróis de todos os tempos”. Nas bilheterias, Os Vingadores desbancou tudo o que tinha pela frente e já estourou vários recordes. Obviamente, já era de se imaginar que uma continuação da história do grupo de super-heróis fosse anunciada. Resta saber se a bilheteria recordista se repetirá…

“Os Vingadores”: nada se compara à saga destes heróis…

Ah, confira abaixo as nossas postagens sobre algumas outras estréias:

J. Edgar
A Mulher de Preto
Jogos Vorazes
Titanic 3D
Diário de um Jornalista Bêbado
Espelho, Espelho Meu
Branca de Neve e o Caçador
Sombras da Noite