Em sua estreia como diretor, Bradley Cooper apostou em um projeto que não tinha como dar errado: o remake do clássico Nasce Uma Estrela (o quarto, para ser mais exato), um filme descaradamente feito sob medida para Lady Gaga. A trama, que acompanha o relacionamento conturbado entre o astro do rock Jackson Maine e a jovem cantora Ally, caiu como uma luva para ser a Lady Gaga o que Evita foi para Madonna, praticamente um presente de Cooper com um bilhete dizendo “Toma, Gaga, vem cá, vamos esfregar seu talento na cara dos haters, ok?”.
E, de fato, a cantora (e agora atriz) não decepciona: Gaga chama o filme pra si. Não que a personagem exija muito dela, mas a artista tem um carisma inegável – isto sem mencionar os dotes musicais já conhecidos pelo público. Aliás, a trilha sonora de Nasce uma Estrela é irretocável: Shallow, por exemplo, carro-chefe do longa, é até aqui uma das favoritas ao Oscar de melhor canção no próximo ano. Gaga até ofusca o protagonista de Cooper que, com sua barba e cabelos desgrenhados, entrega uma atuação no máximo mediana, destacando-se, sobretudo, na parte vocal. Juntos, felizmente, a dupla mantém uma química interessante em cena.
O roteiro, no entanto, carrega uma forte carga melodramática, algo que em décadas anteriores até caía bem – hoje nem tanto. A forma como o argumento desenvolve os personagens enquanto “artistas” é desestimulante, especialmente na segunda metade da fita, com a decadência de Jack (destinada desde o início, o que não permite ao espectador digerir essa transição) e a ascensão de Ally (que, no ato final, nada mais é do que uma paródia da própria Lady Gaga). Assim, as melhores sequencias de Nasce Uma Estrela são os momentos de diálogos e intimidades entre o casal e um ou outro número musical mais empolgantes. No conjunto da obra, este Nasce Uma Estrela é um filme sonora e visualmente bem executado, mas que não passaria de uma produção genérica não fosse o apelo da história e, claro, os astros que a estrelam.
Desde o subestimado Artpop (um trabalho incompreendido, que pecava pelo excesso de ideias – ainda que algumas geniais) e um passeio pelo jazz ao lado do sempre competente Tony Bennett, os little monsters aguardavam ansiosamente pelo triunfal retorno de Lady Gaga ao pop. Mesmo os que não simpatizavam com ela também tinham lá suas expectativas, afinal algumas de suas maiores “divas” haviam assumido um tom mais conceitual em seus últimos álbuns (vide Rihanna ou Beyoncé, por exemplo). Logo, há tempos faltava um bom disco pop com músicas para fazer a galera ir até o chão nas boates por aí. Para o bem ou para o mal, Joanne, novo registro de Gaga, chega recentemente às lojas dividindo opiniões, mas mostrando seu indiscutível amadurecimento como artista.
Sim, Gaga ultrapassou o status de “diva pop” para se tornar uma intérprete respeitada, com liberdade artística para fazer exatamente aquilo com a qual se sente confortável – e a verdade é que os figurinos extravagantes de outrora já não são tão interessantes, fazendo com que Stefani Germanotta aposente o vestido de carne e vista as botas e chapéu rosa que são os símbolos desta sua nova fase. Joanne é, provavelmente, o seu disco mais pessoal, onde Gaga solta a voz (e como) para falar de seus “demônios” internos que a apavoram e já fazem parte de sua rotina.
Apoiada em uma base composta por guitarra, baixo e bateria, Diamond Heart abre este registro sem o peso de sintetizadores, mas nem por isso menos pop. De cara, é capaz de agradar aos fãs iniciais da cantora. Faixa mais radiofônica de todo o conjunto, A-Yo segue a linha pop de sua antecessora, um hit pronto para as pistas (mesmo que não tenha o vigor de nenhum de seus clássicos anteriores). Com simplicidade e abandonando praticamente qualquer “acabamento” vocal, Joanne é de uma beleza musical única com sua percussão tímida e seu violão dedilhado. É uma calmaria que contrapõe à sequência de canções que segue: John Wayne, com sua batida diferente de tudo o que se ouviu até aqui; Dancin’ in Circles, com sua levada reggaeton que remete à era The Fame Monster; e Perfect Illusion, primeiro single que, embora não seja explosivo e nem faça tanto sentido quando ouvido individualmente, chega se firmando como um dos momentos mais coesos de Joanne.
Million Reasons é a faixa com os mais fortes elementos que referenciam ao estilo country de Joanne. Balada poderosa, aqui você é obrigado a admitir que, sim, Lady Gaga canta muito. Nos remetendo aos filmes tarantinescos que Gaga aparenta admirar bastante, Sinner’s Prayer é uma mistura experimental entre pop e country e, talvez por isso, soe tão curiosa à primeira audição. Com ótimos arranjos de metais e vocais, Come to Mama tem uma melodia incomum e é deliciosa de se ouvir – até agora não entendo às críticas a ela, para ser bem honesto. Em parceria com Florence Welch, Hey Girl traz suavidade e minimalismo, com uma letra feminista que agrega muito à proposta do álbum. Angel Down fecha a versão comum de Joanne, com uma atmosfera soturna e uma interpretação potente de Gaga, isso sem mencionar a parte instrumental muito peculiar.
Ame ou odeie, até o menos é mais quando falamos de Lady Gaga. Goste ou não, a cada dia que passa ela deixa de lado o rótulo de “esquisita” e se consagra como uma das artistas mais completas de sua era. Ainda que Joanne não seja o alívio pop que esperávamos, encontramos aqui uma Lady Gaga sem medo de retornar às suas raízes. Pelo contrário: ela busca valoriza-las, entregando um disco que, entre altos e baixos, tem seus méritos dentro da carreira da cantora. Talvez nunca mais escutaremos algo tão estrondoso quando um Bad Romance ou Pokerface, é verdade, mas é válido o esforço de Gaga em tirar as máscaras e mostrar sua verdadeira face – e já que isso pode ser inevitável, que tal aproveitarmos?
Pois é, acabou de acontecer neste domingo (28), no Teatro Dolby, em Los Angeles, a 88ª cerimônia de entrega dos Academy Awards – o Oscar 2016, a maior premiação do cinema mundial.
O anfitrião deste ano foi o comediante Chris Rock, que já havia assumido o posto em 2005 – e o rapaz já iniciou a noite fazendo piadinhas bem mais ou menos sobre algumas polêmicas desta edição (talvez até mesmo como forma de diminuir as provocações que a Academia sofreu). Com um discurso fraco sobre racismo, salvou-se apenas a declaração em alto e bom som “Nós (negros) queremos oportunidades!” – e, cá entre nós, Hollywood precisa repensar nisso urgentemente.
Fato: a cerimônia deste ano veio acompanhada de muito falatório. A princípio, a Academia recebeu inúmeras críticas pela diversidade (ou falta dela) entre os indicados: além da visível ausência de indicações do sexo feminino, não houve nenhum negro nas categorias de melhores atores e atrizes coadjuvantes e principais (assim como na edição anterior). Além disso, chamou a atenção também o fato de que não havia grandes “favoritos” nas principais categorias – e isso, sob certo aspecto, ajudou a acirrar a disputa, que ficou ainda mais concorrida nos últimos dias.
Com uma apresentação pouco empolgante, Dave Grohl homenageou os principais nomes da indústria cinematográfica que nos deixaram recentemente, como David Bowie, os atores Christopher Lee, Alan Hickman e Omar Sharif e o musicista James Horner, autor da trilha sonora de Titanic. De musical, vale lembrar que a popstar Lady Gaga também performou sua Till It Happens to You – música que perdeu o prêmio de melhor canção original para Writing on The Wall, do filme 007 Contra Spectre, interpretada por Sam Smith. Quem também emocionou foi Ennio Morricone, o veterano compositor italiano que levou sua merecida estatueta por seu trabalho em Os 8 Odiados – o desprezado último filme de Quentin Tarantino.
À esquerda, Leonardo DiCaprio em “O Regresso”; à direita, “Mad Max: Estrada da Fúria”, maior premiado da noite.
No final, o maior premiado da noite foi Mad Max: Estrada da Fúria, que levou pra casa 6 estatuetas (todos técnicos). O Regresso, que recebeu o maior número de indicações, ficou com 3 prêmios, incluindo o tão sonhado Oscar para Leonardo DiCaprio e de direção para Alejandro G. Iñarritu – que ganhou pelo segundo ano consecutivo como melhor diretor. A grande “zebra” da noite ficou por conta de Spotlight: Segredos Revelados, que ganhou o prêmio máximo, deixando muita gente frustrada.
E lá se foram quase dez anos desde que Sin City – A Cidade do Pecado chegava às salas de cinema ao redor do mundo. Na época, o longa se tornou uma febre e virou, digamos, uma espécie de clássico instantâneo. Não que seja uma obra imaculada – a bem da verdade, Sin City é um filme como outro qualquer, com algumas peculiaridades, sim (como sua excepcional fotografia em preto e branco e suas inúmeras tramas irresistíveis), mas que não apresentava nada muito grandioso. Enfim, era uma novidade naquele momento – mas nada muito eloquente.
Mas se em 2005 Sin City – A Cidade do Pecado causou certo burburinho entre os cinéfilos, o mesmo não se pode dizer sobre Sin City: A Dama Fatal, segundo filme da série baseada nas HQs do artista Frank Miller (que divide os créditos de direção com Robert Rodriguez) e que chega hoje aos cinemas brasileiros. Não que esta continuação não tenha sido aguardada – principalmente depois dos inúmeros adiamentos para o lançamento, que deixaram os fãs dos quadrinhos de Miller apreensivos (afinal, o material é muito bom). Mas talvez esse hiato entre os dois filmes tenha diminuído um pouco o frisson deste universo – e como consequência inevitável, Sin City: A Dama Fatal vem tendo um desempenho satisfatório, mas levemente inferior ao seu predecessor. Em outras palavras, este Sin City mantém o bom visual e apelo técnico, mas perde aquele impacto causado pelo primeiro.
O cenário ainda é Basin City e segue, basicamente, a linha de Sin City – A Cidade do Pecado: narrativas independentes que se cruzam e se desenvolvem nas ruas, becos e vielas de uma cidade dominada pela corrupção, violência e impunidade (e qualquer semelhança com nossa realidade é mera coincidência). Aqui, temos o encontro de velhos conhecidos, como a stripper Nancy, o brutamontes Marv, o detetive Hartigan e o anti-herói Dwight, com novos rostos, como o ambicioso jogador de pôquer Johnny, o empresário Joey e a sensualíssima Ava Lord – a tal dama fatal do título. Todos estes personagens se misturam ao longo de três contos, alguns inéditos, e que mantém a mesma premissa do primeiro longa.
A primeira das três histórias centrais é estrelada por Joseph-Gordon Levitt na pele de Johnny, um jovem que desafia o poderoso senador Roark em uma partida de pôquer com o evidente interesse de humilha-lo – o que coloca sua vida em risco. Na segunda (e melhor) parte, temos Eva Green como a sedutora Ava, uma mulher ambiciosa e que faz uso de todo seu charme (e suas belas curvas) para colocar as mãos na fortuna do marido – recorrendo até mesmo a Dwight, seu antigo e ressentido amor. Com menos força, a última trama apresentada é a de Nancy (protagonista de sensuais danças sobre o balcão de um dos bares mais badalados de Sin City), que, totalmente atormentada, busca se vingar da morte de seu amado Hartigan – que se suicidara no filme anterior.
Sin City: A Dama Fatal não apresenta nada novo em relação ao primeiro da série. Se em 2005 tudo era muito novidade (inclusive o uso constante de tela verde – algo inédito na época e que se tornou moda nos anos seguintes, sendo utilizado até os dias atuais), hoje é certo dizer que este projeto é apenas mais do mesmo e inova muito pouco – inclusive na criação dos ótimos cenários digitais. Mas isso, por incrível que pareça, já é um mérito: o visual de Sin City: A Dama Fatal é impecável. A fotografia em preto e branco é muito bem desenvolvida e fica ainda melhor quando os diretores apostam em alguns pontos específicos para destacar outras cores (como o “acinturado” casaco azul de Ava, o sangue vermelhíssimo que escorre ou o púrpura vivo de um veículo em movimento). Esse recurso é imprescindível para deixar o filme muito mais apreciável a aproxima-lo a um estilo meio neo-noir, que é acentuado ainda mais pelo tom escuro e as constantes utilizações de sombra e luz. A tórrida cena de sexo entre Ava e Dwight, por exemplo, é de uma plasticidade ímpar – arriscaria dizer uma das mais bem dirigidas sequências de sexo que já assisti.
O elenco desta fita também está muito bem escalado. Mickey Rourke, apesar de não ser um personagem “chave” em nenhuma das histórias, é sempre um alívio quando aparece na tela devido, sobretudo, à sua frieza que o tornam, até mesmo, cômico (um perfeito tipo tarantinesco). Joseph empresta todo seu perfil cativante para Johnny – e isso faz com que fiquemos indignados quando Roark o esnoba. Josh Brolin, por sua vez, é infinitamente melhor que Clive Owen no papel de Dwight – um autêntico morador de Sin City. Já Eva Green, claro, é quem brilha verdadeiramente aqui. A escolha de Green foi a mais correta – e chega a ser ultrajante pensar que, em algum momento, a insossa Angelina Jolie foi cotada para o papel de Ava Lord. Eva ofusca qualquer um a cada aparição não apenas pelo belo corpo (aliás, fica a dica: Green está nua em quase 80% do tempo em que aparece), mas principalmente por sua ótima atuação, totalmente segura e natural. A única atuação ligeiramente menor fica por conta de Jessica Alba, que, para sua sorte, tem um belo corpo e faz bom uso dele nas cenas de dança – inutilmente tentando, ao que me parece, chamar a atenção do filme para si. Inutilmente porque, cá entre nós, temos Eva Green e isso basta. Ah é, Lady Gaga faz uma pequena participação – okay, mas e aí?
Sin City: A Dama Fatal é equilibrado e, a meu ver, totalmente nivelado ao primeiro filme da franquia – ou seja, tecnicamente bem trabalhado (fotografia, edição, design, figurino, maquiagem) e visualmente arrebatador. O único “porém” é que, como mencionado, hoje nada do que se vê é uma novidade (com exceção do 3D, que foi bem usado mas não é algo esplendoroso). Há, obviamente, de se reconhecer que desde 2005 também pouca coisa realmente do gênero foi feita (ou bem feita, melhor dizendo), mas a verdade é que Sin City: A Dama Fatal é mais daquilo que já tínhamos visto e tanto gostamos de ver – e, por essa razão, se torna um programa indispensável para quem curte cinema e também para os fãs de HQs (afinal, como adaptação, deve-se mencionar que todo o universo dos quadrinhos de Miller foi brilhantemente transportado para as telonas). Em outras palavras, Sin City: A Dama Fatal é apenas mais uma noite escura, fria e solitária nos cantos dessa cidade que tanto amamos: diverte, vale a pena mas, ainda assim, é apenas mais uma noite. Apenas mais uma noite…
Continuando a retrospectiva da indústria fonográfica em 2013, chegou a hora de listar quais foram os singles que não saíram da boca da galera, os artistas que chegaram marcando território e, para variar, aqueles que enfiaram o pé na jaca e decepcionaram a crítica e o público por seus trabalhos não tão memoráveis (ou ruins, mesmo).
LORDE
Lorde deu um up considerável em sua carreira no ano de 2013, saindo do status alternativo e chegando ao mainstream com a ajuda de companheiros de profissão e, obviamente, divulgação na internet. Aproveitando isso, sua gravadora apressou a gravação de seu álbum de estréia, Pure Heroine, colocando-a nas paradas mundiais do dia para a noite.
ARIANA GRANDE
As comparações entre Ariana Grande e a diva R&B Mariah Carey não são injustas. Ariana, assim como Mariah, é uma das poucas cantoras capazes de reproduzir o whistle (o maior registro agudo alcançado pela voz humana). Muitas das músicas da ex-atriz da Nickelodeon (cujo primeiro registro foi lançado em 2013) parecem ter sido retiradas de algum disco perdido de Mariah Carey lá pela década de 90…
IMAGINE DRAGONS
Com a canção Radioactive, a banda Imagine Dragons ficou mais de 50 semanas na lista da Billboard – e foi até considerado o hit do ano pela revista Rolling Stones. Com pouco mais de cinco anos de carreira, a banda participou da trilha sonora do segundo filme da saga Jogos Vorazes e recebeu duas indicações para o Grammy Awards, em 2014.
ICONA POP
Formado em 2009, o dueto sueco de electrop pop já havia chamado atenção há alguns anos quando, em 2011, a Rolling Stones o consideraram a estréia mais promissora do ano. Mas a banda cresceu e 2013 foi um ótimo ano para a dupla, que era presença constante no top 10 de vários países mundo afora.
MACKLEMORE & RYAN LEWIS
A dupla já tem alguns anos de estrada separadamente. A proposta do rapper Macklemore e do produtor Ryan Lewis é misturar hip-hop e pop, de forma até mesmo divertida. A fama global veio em 2013 com o vídeo viral de Thrift Shop, que colocou os caras no topo da parada de oito países, incluindo EUA, Reino Unido e Austrália.
DO WHAT U WANT – Lady Gaga
Em 2013, Lady Gaga lançou seu injustiçado ARTPOP, cuja primeira música de trabalho é Applause. No entanto, quem merece aplausos mesmo é Do What U Want, parceria de Gaga com R. Kelly, que utiliza sintetizadores (tão comuns a artistas indie) em dose equilibrada, alem de uma temática sexual – que fez a música chamar a atenção e, para muitos, ser considerada a melhor faixa de Lady Gaga desde Bad Romance, do seu primeiro disco.
BLKKK SKKKN HEAD – Kanye West
Carro chefe do ótimo álbum Yeezus, Black Skinhead prova que Kanye West sabe fazer música – e sabe fazer bem. Nenhuma novidade, já que falamos de um artista cujos trabalhos são frequentemente bem recebidos pela crítica.
ROYALS – Lorde
Para provar o que falamos acima sobre a neozelandesa, Royals entra na lista. Royals ajudou Lorde em sua turnê pelos EUA, alem de gerar um contrato milionário para a garota – que, ao que tudo indica, é alta aposta para 2014.
GET LUCKY – Daft Punk feat. Pharrell Demonstrando o poder da internet, Get Lucky é uma música que caiu nas graças do público com o mínimo de divulgação (nem clipe oficial a música teve). Antes mesmo de ser lançada, a música já estava bombando pela rede, gerando inúmeros covers e remixes.
WRECKING BALL – Miley Cyrus
Definitivamente, em se tratando de single, difícil deixar Miley Cyrus de fora. Seu Wrecking Ball foi uma das músicas mais comentadas do ano. Ótima balada, o clipe da canção é bom e polêmico, gerador de diversos memes na internet e marcando a nova fase tresloucada da ex-Hannah Montana.
MENÇÃO NACIONAL HONROSA (ou não)
SHOW DAS PODEROSAS – Anitta
Amigão, cá entre nós, que brasileiro não cantou o refrão “PRE-PA-RA” ao menos uma única vez ao longo de 2013? Críticas a parte em relação à funkeira, a música pegou geral e se tornou um dos maiores hits nacionais (se não, o maior) do ano, tornando Anitta uma celebridade instantânea e figurinha carimbada nos programas televisivos de domingo – além, óbvio, das inúmeras paródias e versões criadas na internet.
BRITNEY SPEARS
O que era para ser um disco pessoal e intimista, acabou se saindo uma farofa… Britney errou a receita e seu Britney Jean não decolou e se tornou um dos piores álbuns do ano. Com singles como Work Bitch e Perfume, o trabalho é totalmente descartável na carreira da princesinha do pop (que também já não é mais tão princesinha assim, hein, cá entre nós…).
BACKSTREET BOYS
Talvez desejando alcançar o mesmo sucesso que a boy band britânica One Direction, os rapazes do Backstreet Boys (que já foram considerados a maior boy band de todos os tempos) lançaram o álbum In a World Like This – esquecido pela crítica e desprezado pelos fãs.
ARCTIC MONKEYS
O quinto álbum de estúdios da banda Arctic Monkeys, AM, estreou em primeiro lugar nas paradas do Reino Unido, vendendo mais de 150 mil cópias apenas na primeira semana. Porém, alguns críticos torceram o nariz para o registro, alegando as diferenças em relação aos trabalhos anteriores da banda britânica.
ONE DIRECTION
Já elogiei a boy band em outras ocasiões (afinal, como música pop, as canções da banda funcionam bem). O problema é que eles parecem estar engessados à uma receita que os consagraram há alguns anos atrás – e seu Midnight Memories parece uma compilação dos trabalhos anteriores dos rapazes, não promovendo nenhuma evolução significativa na carreira da banda.
30 SECONDS TO MARS Love Lust Faith + Dreams, quarto álbum de estúdio da banda de rock alternativo 30 Seconds to Mars, não foi muito bem recebido pela crítica e pelos fãs da banda – e rendeu, no máximo, o ótimo clipe para a faixa Up In The Air. E só. Infelizmente, nem só de clipes com pretensões cinematográfica e megalomaníacas a indústria fonográfica sobrevive…
Você pode até tentar ficar indiferente – mas é inegável que Lady Gaga é uma grande artista. Cá entre nós, em pouco mais de cinco anos, ela conseguiu o que muitas “divas” não alcançaram em décadas: ameaçar o posto de Madonna de “rainha do pop” – e, convenhamos, se Madonna não se cuidar, quem sabe… No sentido mais amplo da expressão, Gaga é uma artista completa – ainda que com várias deficiências – e acaba de entregar ao público o terceiro registro de sua carreira, o aguardado Artpop – que divide as opiniões e colocam em cheque toda a badalação em torno da cantora pop.
Por que Artpop divide opiniões? Bom, os little monsters (como Gaga carinhosamente apelida seus fãs) consideram Artpop o álbum do ano – e uma das maiores realizações da cultura pop nos últimos tempos. A crítica, por sua vez, o classifica como um dos maiores fiascos da indústria fonográfica na história. De fato, Artpop não é um trabalho totalmente inovador – chega a ser até mesmo “medíocre” (entendedores entenderão o que eu quero dizer com esse adjetivo – claramente, ele não vem como crítica). No entanto, mesmo os fãs mais afoitos deverão admitir que, apesar de toda sua propaganda artística, Artpop é um disco que tenta estar muito próximo à arte – mas essa aproximação só aparece no discurso. Na prática…
Para produzir e promover Artpop, Gaga escalou um time de peso. Entre os produtores, estão nomes como David Guetta (olha a farofa aí, gente!), will.i.am (pegada pop, hein?) e Rick Rubin – só para citar alguns. O artista norte-americano Jeff Koons é quem assina a capa do álbum – onde temos Gaga nua como uma nova Vênus, uma referência à tela clássica de Sandro Botticelli. A ideia por trás de tudo isso? Bom, Gaga pretende levar a arte à cultura pop, aproximar estes dois mundos que, apesar de parecerem próximos, são bem distintos. A pretensão de Gaga aqui é fazer com que o acesso à alta cultura seja mais simples – e, obviamente, nada melhor do que a música pop para fazer isso. No entanto, essa integração entre os dois universos ficou um tanto quanto superficial. Faltou alguma coisa – que você perceberá na primeira audição de Artpop.
Não que Artpop seja ruim. Dizer isso a essa altura da carreira de um nome como Lady Gaga é, no mínimo, injustiça. Artpop é um álbum bom – se desconsiderarmos seu propósito, obviamente. Na verdade, estamos diante de um claro exemplo de como funciona a cena pop na atualidade: ao longo de 15 faixas, Gaga consegue produzir uma música de qualidade, deixando-a na frente de muitas de suas concorrentes. Aura, que abre o disco, lembra em muito a batida de Daft Punk e tem guitarras simulando o som de cítara – deliciosa. A pegada R&B do conjunto fica por conta das ótimas Sexxx Dreams e Do What U Want – esta última que conta com a participação de R. Kelly, formando um belo dueto.
Venus, outra bela canção do álbum, vem recheada com um passado oitentista, explicitado pelo uso de sintetizadores. Dope, por sua vez, é a grande baladinha do disco, com seus acordes de piano e uma bela interpretação vocal da cantora – música que talvez jamais imaginaríamos em um registro como este. Donatella (inspirada na estilista da Versace) tem uma ótima pegada urbana e também é uma grande surpresa do álbum. Menos inspiradora, no entanto, é a própria faixa título, que não chega a empolgar muito – ao menos, os ouvintes mais atentos e críticos.
Como produto final, Artpop é um álbum que mostra exatamente o que Lady Gaga é: uma artista que sabe ser artista. Vamos admitir: Gaga não é uma excelente cantora, não é ótima dançarina, não toca lá essas coisas nem compõe como uma poetisa. Mas como uma boa artista, ela pega tudo aquilo que sabe fazer satisfatoriamente bem e melhora para alcançar um status de “diva cool” que a galera descolada adora. Como muito de seus contemporâneos na música pop, Gaga sabe que imagem nesse mundo é tudo. Nesse propósito, Artpop é muito bom isoladamente, mas que se perde dentro dos rumos que pretende tomar e serve para mostrar que Gaga é uma grande home não apenas no palco – mas, principalmente, fora dele. Este é o grande mérito da cultura pop.
Pois é, chegamos ao mês de julho – e deixamos para trás um semestre que nos trouxe vários lançamentos.
Além dos álbuns que já comentamos aqui em outras ocasiões, o primeiro semestre de 2011 foi repleto de outros lançamentos que movimentaram as rádios mundiais e o público em geral – mas não demos devida atenção a eles.
Por isso, listei a seguir 10 álbuns que foram lançados e, de certa forma, merecem algum comentário. Vale lembrar que as escolhas se deram por diversos motivos – e justamente por isso, eu separei esses álbuns em 2 grupos distintos que vocês poderão conferir a seguir:
AS BOAS SURPRESAS…
4 – Beyoncé
Depois do bem sucedido álbum I’m Sasha Fierce, Beyoncé estréa o quarto álbum de sua carreira – sim, o título do CD é 4. Diferente do que acontece nos trabalhos anteriores, 4 é talvez o álbum em que mais podemos notar as influências da cantora – soul e R&B. Ela vai justamente na contramão da maioria das cantoras pop da atualidade e faz um álbum composto muito mais por baladas do que por músicas de pista. Exceto em algumas faixas, 4 apresenta uma Beyoncé mais madura e conciente de seu talento, suavizando aqueles gritos estridentes que lhe são peculiares e apostando em melodias mais consistentes. Não se pode dizer que a cantora vai mudar de rumo definitivamente (e nem queremos isso, afinal é muito bom ver Beyoncé em performances como a de Single Ladies, por exemplo), mas 4 nos dá bons motivos para acreditar que a cantora pode realmente ocupar o posto de diva da música.
4
Live On Ten Legs – Pearl Jam Live on Ten Legs comprova a tese de que o Pearl Jam é um dos mestres do grunge. O álbum serve como espécie de comemoração aos 20 anos de carreira da banda e mostra o quanto os caras são excelentes em suas performances no palco. As faixas são gravações compiladas entre 2003 e 2010, que incluem desde seus sucessos a covers executados de artistas como Joe Strummer. Para os fãs da banda de Seattle, o álbum é indispensável…
Live On Ten Legs
Femme Fatale – Britney Spears Batidas pegajosas, refrões grudentos que não saem da cabeça… Tudo isso pode ser conferido no álbum Femme Fatale, da princesinha do pop Britney Spears. Entretanto, o álbum tem uma sonoridade muito mais trabalhada e consciente do que seus discos anteriores, assim como letras maduras e não tão comportadas – salvo raros momentos. Talvez devido à essa maturidade, Femme Fatale é considerado por muitos como o melhor álbum da carreira da cantora (o que não cabe uma discussão aqui).
Femme Fatale
Wasting Light – Foo Fighters Álbum aguardadíssimo pelos fãs, sem dúvida este é o melhor disco da banda desde The Colour And The Shape, de 1997. O álbum mantém uma unidade tamanha que faz com que ele se engrandeça por completo. Talvez tenha sido o disco onde Dave Grohl tenha, finalmente, acertado suas contas com Kurt – aliás, nunca se viu um Grohl tão a vontade como em Wasting Light. Com bons arranjos, boas músicas e boas letras (repito o adjetivo pra potencializar mesmo), este sem dúvida é um marco para a banda.
Wasting Light
The Fall – Gorillaz O líder da banda Blur já havia anunciado que o projeto Gorillaz iria acabar. E foi por essa razão que fomos surpreendidos com The Fall. De longe, não é o melhor álbum da banda – mas tem como mérito o fato de ainda conseguir manter o fôlego para continuar na estrada (literalmente). As canções, em sua maior parte instrumentais, tornam o álbum o mais incomum do projeto.
The Fall
… E AS NEM TÃO BOAS ASSIM…
Born This Way – Lady Gaga Born This Way é ruim? Não. E ponto. Mas perto de todo rebuliço em torno do segundo disco da artista mais esquisita falada do pop atual, o disco é apenas mais um. O álbum tem uma forte tendência eurodance e isso justifica a ausência de graves (que já não eram muito bons, diga-se de passagem). Definitivamente, Born This Way não conseguiu superar o primeiro álbum de Gaga.
Born This Way
Love? – Jennifer Lopez Pense em vários sons misturados sem um único propósito. Então, Love? (com esse ponto de interrogação sem sentido) é mais ou menos isso: uma mistura de vários estilos como black, house e, claro, som latino, que não tem um fundamento muito claro. São músicas para pista e apenas isso. Depois de quatro anos, a cantora poderia tentar inovar, certo? Se era só pra fazer música para os olhos (e não para os ouvidos), não precisava nem ter aberto a boca pra cansar a voz…
Love?
Suck It And See – Arctic Monkeys O álbum da banda Arctic Monkeys é muito bom – mas a surpresa se apresenta quando constatamos que a banda “moleque” dos álbuns anteriores está muito mais madura e convincente agora. As composições estão muito melhores e a qualidade sonora impecável é fatalmente percebida. Mas falta aquela identidade do Arctic Monkeys que conquistou fãs ao redor do mundo e tornou a banda um símbolo do rock atual. Pois é…
Suck It And See
Goodbye Lullaby – Avril Lavigne A grande tentativa do álbum foi tentar mostrar que a garotinha que vendeu milhões de cópias com Let Go, seu primeiro álbum, havia crescido. Pois não é isso que se percebe em Goodbye Lullaby. O álbum mostra que a cantora ainda mantem sua alma adolescente – seja nas letras marcadas por rebeldia própria dessa fase ou pelas batidas leves que marcaram seu primeiro trabalho. Apesar do potencial, Avril ainda não é capaz de atingir fãs mais maduros…
Goodbye Lullaby
The Future Is Medieval – Kaiser Chiefs Uma banda como Kaiser Chiefs não poderia se dar ao luxo de fazer um álbum completamente despretencioso. Talvez por isso eles tenham apostado tanto em uma estratégia já batida antes do lançamento oficial do álbum: disponibilizar o disco no seu site. Mas não foi suficiente. O álbum é cansativo, tem poucas músicas boas – e algumas até chegam a dar vergonha – e é um ponto negro na obra da banda.
Davi Gonçalves 