Marnie, Confissões de Uma Ladra

01Há certa unanimidade da crítica ao afirmar que a fase áurea da filmografia de Alfred Hitchcock corresponde ao início dos anos 50 até os primeiros anos da década seguinte – período no qual o cineasta dirigiu suas mais elogiadas obras, como Pacto Sinistro (1951), Janela Indiscreta e Disque M Para Matar (1954), Um Corpo Que Cai (1958), Psicose (1960) e Os Pássaros (1963), citando apenas alguns. Outro ponto em que também há uma concordância é que os últimos trabalhos hitchcockianos são os mais “questionáveis” de sua carreira (com exceção de Frenesi, penúltimo filme do diretor). Marnie, Confissões de uma Ladra, lançado em 1964, é um de seus melhores registros, porém sofreu com a incômoda posição entre esses dois períodos – o que divide a opinião dos fãs, que se questionam se Marnie é mais uma das obras-primas do mestre do suspense ou se marca o início de sua série de filmes dispersos, insólitos e de qualidade duvidosa.

A jovem Marnie vive de pequenos golpes nas empresas onde trabalha, assumindo em cada uma delas uma nova identidade. A bela age de forma simples: ganha a confiança de seus superiores e, tempos depois, foge do local com uma pequena fortuna, sem deixar pistas. O problema é que em uma dessas empresas, ela é descoberta por seu chefe Mark, que acaba se apaixonando pela funcionária. Acuada, Marnie só tem duas escolhas: casar-se com Mark ou ser entregue à polícia – e, obviamente, opta pela primeira delas. Apesar de concordar com o casamento de fachada, o esposo devotado tenta desvendar de todas as formas o mistério de sua amada e as causas de todo seu comportamento psicologicamente abalado.

Marnie, Confissões de uma Ladra não é um clássico suspense de Hitchcock, tampouco se percebe tanta entrega do diretor nesse projeto. Isto fica muito evidente no ritmo da narrativa, que apesar de começar muito bem, aos poucos perde um pouco o fôlego – o que, consequentemente, faz com que o público perca também o interesse. O roteiro é visivelmente um pouco perdido e algumas coisas parecem não se encaixar, deixando inúmeras pontas que só serão entrelaçadas ao final das mais de duas horas de projeção. Alem disso, há sequências onde o excesso de informação ajuda a diminuir a ação, mas sem contribuir para uma construção mais sólida da fita. Em alguns momentos, por exemplo, é possível até esboçar uns bocejos pois parece que nada significativamente importante ameaça acontecer.

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Outro “pecado” de Marnie é o desenvolvimento raso e superficial de boa parte dos personagens. Mark é um tipo que, apesar do charme, não possui conflitos suficientes para se aproximar do público (mesmo com todo o carisma de Sean Connery, antes de virar um dos James Bond mais sensacionais da história do cinema). Lil Mainwaring (a belíssima e morena Diane Barker) é outra que, apesar do incrível potencial, não consegue sair da superficialidade pois jamais conseguimos entender o que ela é dentro da trama (afinal, Lil é uma mocinha apaixonada pelo bonitão ou uma vilã interessada no dinheiro do milionário?). Talvez pela falta de antagonistas mais fortes, Marnie se torna um filme de um único personagem: a própria Marnie, intensamente vivida por Tippi Hedren – em um tipo muito mais atraente do que o vivido pela atriz em Os Pássaros. Tippi tem o tom exato entre a docilidade e a frieza e essa dualidade no caráter da personagem ajuda muito a enriquecer a trama e construir a personalidade complexa de Marnie. Hitchcock sabiamente explora ao máximo a sua personagem para criar os eventos do filme e volta em busca de respostas e razões no passado que justifiquem (ou, ao menos, ajudem a compreender) o comportamento de Marnie.

Comprovando a excelência técnica dos filmes de Alfred, há um esmero em pequenos detalhes. Com muita sofisticação, os figurinos, maquiagem e cenários são impecáveis e deixam muito abaixo até títulos mais cultuados do diretor. Marnie pode possuir suas deficiências, mas ainda assim é um ponto interessantíssimo da obra de Hitchcock. Não há características de um suspense clássico (exceto no constante medo de Marnie em ser descoberta), mas há cenas em que o cineasta demonstra total domínio da linguagem cinematográfica – como na sequência do roubo, em que a posição dos personagens e os cortes de imagens acentuam cada minuto de tensão. Alem disso, o humor sutil do diretor fica implícito em inúmeros diálogos, ao menos para os espectadores menos dispersos. Se por um lado o suspense tenha ficado em segundo plano, Hitchcock nos delicia com certa dose de psicanálise ao tentar desvendar os mistérios que envolvem Marnie (afinal, qual é a origem de seu medo? Por que a repulsa aos homens? Por que o desprezo da mãe? Qual a origem de sua cleptomania?). O problema é apenas sua falta de perfeccionismo, o que não diminui a obra, mas se tratando de um filme de Hitch, é de se ficar com a orelha em pé…

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Frenesi

Londres, década de 70. Uma série de crimes inquieta a polícia local: mulheres são estupradas e assassinadas por um maníaco sexual que as asfixia com uma gravata. Após o assassinato de sua ex-esposa, o fracassado Richard Blaney passa a ser o principal suspeito dos crimes. Preso injustamente, sua missão agora é provar sua inocência e incriminar o verdadeiro culpado.

01Esta é a sinopse de Frenesi, o penúltimo filme de Alfred Hitchcock, lançado em 1972. Frenesi traz o mestre do suspense de volta aos holofotes após uma sequencia de películas que dividiram a público e o deixaram meio desacreditado entre os grandes produtores (na ordem, Marnie, Confissões de Uma Ladra; Cortina Rasgada; e Topázio – este último amargando duras críticas e considerado por muitos o seu trabalho mais irregular). Não que estes filmes sejam ruins; de fato, há de se admitir que todos eles são superiores a muita coisa produzida na época. Mas faltava aquela identidade do cineasta presente em toda sua carreira. Talvez por essa razão, o longa foi muito bem saudado como a volta de Hitchcock ao gênero que o consagrou e o tornou um nome tão importante na história do cinema – um dos maiores contribuidores à sétima arte.

Frenesi marca o retorno do cineasta à Inglaterra, sua terra natal (aliás, o longa já se inicia com uma ótima tomada aérea de Londres por cima do rio, aterrissando no mercado da cidade – locação central da narrativa). Marca também a volta de Hitchcock a um recurso muito comum em suas tramas: um homem acusado de um crime que não cometeu. Esses dois pontos foram cruciais para o sucesso da obra que, apesar de não acrescentar nada significativamente novo à filmografia de Alfred, diverte e entretém. Tudo funciona de forma concisa, ainda que a impressão que se tem é a de que Frenesi é uma espécie de apanhado geral de ideias e recursos já vistos e utilizados anteriormente.

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Mas se engana quem achar que Frenesi não tem outros méritos. Frenesi é, de longe, o filme mais violento da carreira de Hitchcock. Muito mais cru do que em seus trabalhos anteriores, a violência em Frenesi é mais explicita. A sequência do assassinato (e estupro) de Brenda Blaney, para a época, poderia ser comparada a qualquer cena de pancadaria tarantinesca hoje. Há, alem disso, inúmeras cenas de nudez, que o diretor filma com bastante naturalidade e não chega necessariamente a “chocar”, pois o espectador sabe que a nudez é importante dentro do contexto daquele momento. Frenesi também apresenta um roteiro muito bem humorado – aliás, o humor quase se mistura ao suspense devido aos inúmeros percalços pelos quais seus personagens passam. O humor aqui trafega por vários tipos, do mais “bobo” (as comidas intragáveis que o inspetor de polícia é obrigado a provar para agradar a esposa) ao mais “negro” (um corpo boiando no Tâmisa enquanto um político londrino discursa sobre a limpeza do rio).

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Jon Finch (que um ano antes estrelou o polêmico Macbeth, de Roman Polanski) dá vida ao protagonista que, apesar de ser um sujeito não muito simpático, desperta certa compaixão no público. Mesmo não caindo de amores por Richard, o espectador torce para que ele consiga provar sua inocência e se vingar de Robert Rusk, o comerciante vivido por Barry Foster (um tipo detestável já nas cenas iniciais, com todo seu ar de “amigão, camarada” que soa, de cara, falso e forçado). Aliás, deve-se abrir um espaço aqui para elogiar o belo trabalho de direção de Alfred: diferente dos suspenses tradicionais onde o culpado só é revelado ao final da trama, Frenesi apresenta o criminoso antes da metade da projeção – mas nem por isso o filme perde interesse. Pelo contrário: Hitchcock conduz tão bem o roteiro de Anthony Shaffer que o público se sente impelido a acompanhar o desfecho da história, torcendo para que o verdadeiro assassino pague por seus crimes.

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Apesar de recorrer a alguns clichês de sua própria obra, Hitchcock faz um filme claramente mais popular (a começar pela trilha sonora de Ron Goodwin, muito mais comercial do que qualquer coisa já feita por Bernard Herrman, velho companheiro de Alfred). Talvez isso tenha sido culpa dos próprios estúdios, que participavam efetivamente da produção do longa e, de certa maneira, “engessavam” a criatividade do cineasta (algo do qual o diretor reclamou algumas vezes). Com Frenesi, ainda que com algumas amarras, Hitchcock mostrou que ainda tinha prestígio dentro dos estúdios e, principalmente, ainda tinha cacife e boa forma para fazer bons trabalhos. Frenesi aposta em algumas velhas receitas batidas para criar um filme que, apesar de não inovar, funciona bem para o seu propósito, se tornando indispensável para os fãs do cinema hitchcockiano.

Os Pássaros

Há muitas obras de Alfred Hitchcock que comprovam o talento inegável do cineasta inglês, mas Os Pássaros (1963) é a que, provavelmente, mais ateste sua alcunha de “mestre do suspense”. Lançado três anos após o unânime sucesso Psicose (considerado por muitos a sua obra-prima), Os Pássaros é uma espécie de cartão de visita para os que querem conhecer o trabalho do diretor, se revelando um filme que vai muito alem do tradicional suspense.

Estrelada por Tippi Hedren e Rod Taylor, a trama de Os Pássaros é, relativamente, simples. Uma jovem rica vai até a pequena e isolada cidade de Bodega Bay, na Califórnia, a procura de um rapaz por quem se interessara em São Francisco. Ao chegar à pacata região, ela não apenas se aproxima do homem e sua família, mas presencia também um fato bastante incomum: pássaros das mais variadas espécies começam a atacar a população, causando pânico nos moradores locais.

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Para o espectador que lê uma sinopse superficial como esta, é possível que Os Pássaros se aproxime muito mais de um “terror” do que necessariamente um “suspense”. Obviamente, esses dois gêneros são bastante próximos, mas não são iguais. Definitivamente, Os Pássaros é um filme que não “assusta”, no sentido próprio da palavra – mas incomoda, causa desconforto, agonia e faz com que o público se contorça na cadeira com suas sequências aterrorizantes de perseguição e ataque. Isso só é possível por conta do ótimo roteiro de Daphne Du Maurier e Evan Hunter, que mantém um equilíbrio ao oscilar cenas de ação com períodos mais calmos (mas não menos estimulantes, como os diálogos que ajudam a construir a história e estender o pânico causado nas sequências de histeria).

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Do ponto de vista técnico, Os Pássaros é ainda mais surpreendente – afinal, como levar às telas de cinema, no início da década de 60, a história de uma cidade atacada por pássaros ferozes? Há inúmeros boatos que envolvem esta produção – mas sabe-se que Hitchcock teria contratado uma equipe especial para treinar as aves para o ataque (inclusive, Hitchcock, devido a problemas com a protagonista, não teria dito o tradicional “Corta!” durante a gravação de uma cena em que a personagem de Tippi é atacada pelos animais – o que teria custado à moça alguns dias no hospital). Em muitos momentos, as aves eram filmadas (em alguns deles, réplicas foram utilizadas, inevitavelmente) e as imagens eram sobrepostas a outras películas, criando três camadas na tela. Em uma cena, por exemplo, Tippi está dentro de uma cabine telefônica (1ª camada), enquanto pássaros sobrevoam o local (2ª camada) em plena luz do dia (3ª camada) – na verdade, foi usada uma pintura a óleo para tal paisagem. Essas três camadas sobrepostas, em tela, ficam tão bem sincronizadas que o espectador quase chega a acreditar que o cenário é totalmente real. Mais um ótimo aspecto técnico a ser mencionado é a maquiagem utilizada, que para a época era de uma realidade fora do comum. Conta-se que Tippi até mesmo teria vomitado ao se olhar no espelho quando maquiada para uma cena em que era atacada tamanha a qualidade da técnica (nem mencionei o homem que é morto pelas criaturas ferozes e tem os olhos arrancados da cabeça – algo que impressiona em um filme da década de 60).

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Outro ponto que merece um destaque especial é a total ausência de trilha sonora. Se em Psicose a música de Bernard Hermann é essencial para criar todo o clima de terror da trama, em Os Pássaros o silêncio musical predomina. Ou melhor, ele é crucial para as sequências de ataque. A edição e mixagem de som é uma das mais primorosas experiências já vista no cinema, transmitindo toda a tensão indispensável à história. Os gorjeios dos animais e seus bicos em contato com a madeira causam uma aflição pungente em quem assiste. Não há músicas nos créditos iniciais ou finais, somente ruídos dos pássaros enquanto a narrativa se desenrola. Em compensação, o suspense não diminui: cada cena, por si, é importante para o bom desenvolvimento da história e seus personagens – interpretados de forma competente por um elenco sem grandes notoriedades. Os Pássaros também foi um dos primeiros filmes a abandonar o clássico “the end” ao final de sua exibição: aqui, a imagem simplesmente esmaece enquanto nossos personagens saem da cidade (o que deixa uma sensação de “o que virá depois?” que nunca vem e faz com que o suspense aumente).

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Mas se engana quem assiste a este clássico apenas como um suspense comum. Ao longo de suas duas horas, Os Pássaros é um filme com certo teor “apocalíptico”, que concentra seu foco não em explicar a origem dos eventos, mas simplesmente no caos. Sim, Os Pássaros é caos puro – e este estado é imprescindível para que Hitchcock possa alcançar o que tanto deseja: criticar o homem e seu convívio com as demais espécies. As aves aparentemente não tem nenhum motivo para atacar quem quer que seja, assim como os homens – mas elas o fazem. Alguns personagens, em certo momento, acreditam que seja algum tipo de “vingança”, mas Hitchcock não perde seu tempo levantando teorias a respeito. Com uma técnica impressionante para o ano em que foi lançado, Os Pássaros talvez hoje possa não causar um impacto tão forte como na época. Em uma Hollywood que aposta cada vez mais alto em efeitos especiais mirabolantes, talvez tampouco seria tão assustador se refilmado com uma tecnologia mais atual. O brilhantismo desta obra está em sua simplicidade, criatividade e, principalmente, na forma genial como Hitchcock consegue contar sua história explorando o medo humano e sua fragilidade diante do caos.

Hitchcock e a Psicose de um Cineasta

Apesar de já ter estreado há algum tempo no circuito norte-americano, Hitchcock – a cinebiografia do diretor homônimo falecido em 1980 – chega, finalmente, às salas nacionais nesta semana. Baseado no livro Alfred Hitchcock and the Making of Psycho, de Stephen Rebello, o filme não se prende à biografia completa do artista – desde sua infância até sua morte, passando por momentos pessoais do cineasta – , mas foca suas lentes no conturbado período que Hitchcock viveu durante as filmagens de Psicose, hoje considerada uma de suas maiores realizaçõest.

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O filme começa com um Hitchcock em crise, após as críticas desfavoráveis de seu último trabalho, Intriga Internacional, de 1959 (de fato, houve especialistas que alegaram até mesmo que Alfred deveria se aposentar após o fiasco da produção). Sem nenhum novo projeto em mente, ele procura uma nova história que possa provar a todos que ele ainda é um grande artista, quando tem a ideia de levar às telas a adaptação da trama de Robert Bloch.

Hitchcock era um gênio incontrolável. Quando comprou os direitos do livro que deu origem ao filme, também gastou mais uma grana comprando todos os exemplares disponíveis no mercado para que nenhuma pessoa conhecesse o final da história. Sem apoio dos estúdios (que não queriam apostar suas fichas no projeto de Hitchcock), o diretor teve praticamente que produzir o filme sozinho – chegando inclusive a hipotecar a casa em que morava.

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A cinebiografia concentra suas forças na imagem de Hitchcock, brilhantemente interpretado pelo premiado Anthony Hopkins. Infelizmente, o talento do ator não foi devidamente reconhecido por um detalhe que deveria ajudar, mas acabou atrapalhando: a maquiagem. De fato, nas primeiras imagens promocionais que foram lançadas, não havia dúvidas de que Hopkins era o próprio Hitchcock. Em cena, no entanto, o trabalho do ator acaba ficando escondido por trás da maquiagem em excesso, que chega inclusive a camuflar as expressões de Hopkins.

Um grande mérito de Hitchcock se encontram na maneira como o diretor de primeira viagem Sasha Gervasi consegue retratar a figura do cineasta com pequenos detalhes. Seja no perfeccionismo exacerbado, seja na aversão de Hitchcock à dietas, seja no seu relacionamento com as protagonistas de suas obras, tudo é recriado com muita sutileza. Mas a sutileza maior está na atuação de Helen Mirren, como a esposa de Hitchcock.

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Tem gente que alega que Hitchcock nada mais é do que um pretexto para exaltar a figura de Alma Reville, roteirista que foi durante muito tempo o pilar da obra hitchcockiana. Ela foi uma figura primordial na carreira do diretor, mesmo durante Psicose (afinal, que mulher aceitaria hipotecar sua própria casa para satisfazer as idéias do marido egocêntrico?). Mirren (já premiada pela Academia em 2007 por A Rainha) consegue ser segura em sua atuação, tornando o personagem de Hopkins quase que um próprio MacGuffin (termo que o próprio criou para explicar aquilo que, em sua filmografia, motiva seus personagens).

Também se destaca, ainda que timidamente, a relação do Hitch com suas protagonistas (loiras, obviamente). O filme até mesmo sugere a relação pouco amistosa que Alfred mantinha com Vera Miles (Jessica Biel), que teria desistido de trabalhar com ele às vésperas do início das gravações de Um Corpo Que Cai – deixando Hitchcock aos berros. O longa também mostra a relação equilibrada que o diretor teve com Janet Leigh (aqui, interpretada pela sensualíssima Scarlett Johansson), a protagonista de Psicose que, apesar do que rezam as lendas, alega não ter tido grandes dificuldades de ter filmado a famosa cena do chuveiro (clássica no cinema mundial).

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No final, Hitchcock é um belo presente aos fãs de Hitchcock. Com um belo prólogo e uma cena final, na minha opinião, que valem todo o restante do longa, o filme consegue ser um excelente trabalho para um estreante e me lembra, vagamente, o mesmo que Tim Burton fez com Ed Wood na cinebiografia do “pior diretor do mundo”, em 1994 (a cena final, apesar de não ser em preto e branco, como na obra de Burton, me fez recordar de imediato a cena burtoniana). Assim como na obra de Tim Burton, Sasha não pretende aqui se prender apenas a fatos pessoais, mas sim em um momento específico da carreira do diretor. Apesar de não ter tido toda a repercussão nas bilheterias quanto prometeu durante sua divulgação, o filme tem um bom ritmo e pode ser encarado como um bom produto de entretenimento. Como biografia propriamente, no entanto, faltou ainda alguma coisa que pudesse fazer o espectador se identificar e admirar ainda mais a figura do cineasta.  Pelo menos, Hitchcock ainda é um grande mestre aos olhos do público.

O Que Esperar do Cinema em 2013

Pois é, 2012 realmente chegou ao fim. Já saudamos 2013 e torcemos por grandes conquistas neste ano que se inicia hoje. Imprescindível agradecer a todos vocês que tem acompanhado este blog e tornado a minha tarefa de escrever muito mais agradável. Espero realmente que 2013 seja um ano de muitas realizações para todos nós. E seria importante também estrear o ano com um layout novo, certo? (espero que tenham gostado, okay?)

E para começar bem o ano, que tal já iniciarmos falando sobre cinema? Sim ou com certeza? Pois é, os cinéfilos mais excêntricos alegaram que 2012, apesar de muitas produções, não foi um dos melhores anos para a indústria cinematográfica. De fato, não tivemos grandes clássicos neste ano que passou. Entretanto, temos esperança de que 2013 seja realmente melhor. Bom, pelo menos a julgar pela lista abaixo, que contempla alguns dos filmes a serem lançados durante os próximos 12 meses, temos bons motivos para acreditar que 2013 vai ser um ano bem feliz para nós, cinéfilos, certo? Confira aí algumas das estreias previstas para este ano que inicia e marque na sua agenda.

Django Livre (previsão: 18/01/13)
Se você, como eu, já está contando os dias para a estréia do próximo filme de Quentin Tarantino, vai uma boa notícia: já está chegando o grande dia! Django Livre é a segunda parte de uma trilogia que, segundo Tarantino, teria se iniciado com Bastardos Inglórios, filme que definitivamente o elevou ao status de grande diretor. No elenco, estão Jamie Foxx, Leonardo DiCaprio, Christoph Waltz entre outros.

 

Hitchcock (previsão: 08/02/2013)
Pense em trazer para o cinema a trajetória de um dos maiores diretores de todos os tempos durante a produção de um de seus maiores sucessos. Hitchcock traz no elenco os vencedores do Oscar Anthony Hopkins (irreconhecível no papel de Alfred) e Helen Mirren, além de Scarlett Johansson como Janet Leigh, a atriz da famosa cena do chuveiro de Psicose.

 

Oz – Mágico e Poderoso (previsão: 08/03/2013)
A Disney, aproveitando o sucesso de Alice no País das Maravilhas, selecionou os mesmos produtores do longa de Tim Burton, chamou o diretor Sam Raimi (da trilogia Homem-Aranha) e deu seu toque particular à história de O Mágico de Oz. Daí surgiu Oz – Mágico e Poderoso, que conta a trajetória de Oscar Diggs (o próprio, interpretado por James Franco) antes dos acontecimentos do clássico filme de Victor Fleming, quando o mágico é arrastado para a Terra de Oz.

 

Carrie, A Estranha (previsão: 15/03/2013)
Nova versão do clássico filme de terror de 1976, dirigido por Brian de Palma e baseado na obra do mestre Stephen King, dessa vez é Chloe Moretz quem trará vida à personagem título. Julianne Moore também está no elenco, no papel de Margaret White, a mãe religiosamente fanática de Carrie. Muita publicidade e muitas imagens giram em torno deste que promete ser um dos remakes mais aguardados de 2013.

 

O Grande Gatsby (previsão: 14/06/2013)
Com um elenco elogiado (tem Leonardo DiCaprio, Tobey Maguire e Carey Mulligan),  O Grande Gatsby já teve sua estréia adiada por diversas vezes, mas parece que agora está certo para junho. O filme vai contar a história de um jovem fascinado pelo mundo de seu rico vizinho Jay Gatsby e aos poucos começa a fazer parte de seu círculo social.

 

Universidade Monstros (previsão: 21/06/2013)
A Pixar parece ter se rendido completamente à Disney e, mesmo após o fiasco Carros 2, deciciu lançar uma continuação para outro sucesso da empresa, Monstros S.A. (que será relançado este ano em 3D – sim, uma tentativa explícita de faturar muita grana).

monstros


O Cavaleiro Solitário
(previsão: 12/07/2013)
Fãs de Johnny Depp, não se desesperem: o ator irá aparecer nas telonas este ano! Para variar, Johnny fará mais um personagem caricato e fantasiado em O Cavaleiro Solitário, filme que conta ainda com Armie Hammer e Helena Bonham Carter. Nota: apesar de ter Depp e Helena, o filme não é dirigido por Tim Burton e, sim, por Gore Verbinski (de Piratas do Caribe).

 

Jurassik Park 3D (previsão: 30/08/2013)
E se Hollywood não quer perder tempo criando coisas originais, nada melhor do que tentar faturar um pouco mais a custas de grandes sucessos. Sim, Jurassik Park, sucesso do diretor Steven Spielberg de 1993, será relançado em versão 3D. Prepare-se para aturar 2 horas de filmes para ver apenas cerca de 15 minutos de dinossauros na telona (pelo menos agora em terceira dimensão).

jurassik
Kick-Ass 2
(previsão: 13/09/2013)
Os nerds e geeks pirando em 3, 2, 1… Após o estrondoso sucesso da versão cinematográfica dos personagens de Mark Millar e John Romita Jr., Aaron Johnson retorna às telonas no papel de Dave Lizewski, o jovem estudante apaixonado por quadrinhos que decide virar super-herói, apesar de não ter a menor condição para isso. A história de Kick-Ass 2 trará o roteiro baseado na segunda edição de Kick-Ass e nos quadrinhos de Hit-Girl (dica: vale a pena conferir os quadrinhos, mesmo se você não for um amante dessa arte).

kickass
Sin City 2: A Dama Fatal
(previsão: 20/09/2013)
Com o sucesso de Sin City – A Cidade do Pecado (filme que revolucionou ao levar uma HQ ao cinema com tamanha fidelidade), Robert Rodriguez (de Um Drink no Inferno) traz agora a continuação baseada na graphic novel A Dama Fatal (“A Dame to Kill For), segundo livro da linha criado pelo quadrinista Frank Miller, que também assinou a direção ao lado de Rodriguez e Tarantino na primeira sequencia.

sincity
Jogos Vorazes – Em Chamas
(previsão: 22/11/2013)
Febre mundial baseada no best-seller de Suzanne Collins, a franquia Jogos Vorazes retorna em 2013 com sua segunda parte, Em Chamas. Apesar do diretor do primeiro longa, Gary Ross, não ser escalado para essa continuação (agora, quem assina a direção é Francis Lawrence, de ConstantineÁgua Para Elefantes), as expectativas em torno do filme são grandes.

jogos
O Hobbit: A Desolação de Smaug
(previsão: 20/12/2013)
Nerds, geeks, pseudo-intelectuais e afins estão ansiosos para a continuação da sequencia Hobbit, dirigida por Peter Jackson (da série O Senhor dos Anéis). A saga, baseada na obra de J.R.R. Tolkien, criou uma legião de fãs ao redor do mundo e aposta em muitos efeitos especiais para recriar com fidelidade as aventuras de Bilbo e Gandalf.

ohobbit